• Mais ce serait une grossière erreur de résumer l'histoire de la fameuse formation norvégienne à un titre, aussi célèbre soit-il. Contrairement à ce que beaucoup pensent, les membres du groupe A-ha sont d’authentiques musiciens, avec un avant et un après " Take On Me ". Voici brièvement leur histoire et leur trajectoire qui prouvent que ce sont des artistes à part entière !

• Paul a 10 ans quand il fait la connaissance de Magne, d'un an son cadet. Celui-ci est un enfant assez réservé, encore très perturbé par la mort de son père, ex-musicien du groupe Bet Solve's, survenue deux ans plus tôt dans un accident d'avion. Il n'a qu'une passion, la musique, partagée entièrement avec Paul. Cela va les réunir et les lier pour toujours. Paul compose depuis longtemps déjà et nourrit de grandes ambitions. Il écrit de petits textes, accompagnés de musiques qu'il enregistre sur un magnétophone amateur. Il joue de la guitare, de la batterie et de la basse. Magne, quant à lui, gratte inlassablement sa guitare et s'initie au synthé sur un modèle bon marché. Ils ne possèdent pas des instruments d'une qualité exemplaire, mais qu'importe ! Leur seul but est de jouer, de s'entraîner et de se perfectionner. A tel point qu'en 1977, alors qu'ils sont encore adolescents, ils montent leur premier groupe baptisé " Spider Empire ".

• Au duo d'origine, ne tardent pas à se joindre d'autres musiciens, Viggo Bondi et Oysten Jevanord. Ils se rebaptisent " Bridges " et jouent sans compromission une musique intense inspirée de leurs idoles, les Doors.
Mais en 1981, l'enthousiasme au sein du groupe " Bridges " n'y est plus. Fatigués de cette carrière à pas de fourmi, Paul et Magne voient plus grand. Ils veulent à tout prix devenir d'excellents musiciens, les meilleurs, et devenir mondialement célèbres. C'est ainsi qu'ils décident de mettre un terme à " Bridges " pour réaliser leur plus chère ambition : partir tenter leur chance à Londres. " On en a bavé " se souviennent-ils, " et plus d'une fois on s'est privé de dîner ". C'est d'ailleurs par manque d'argent qu'ils se décident à rentrer à Oslo.

• Mais les deux compères ne s'avouent pas vaincus pour autant. Cette expérience leur a beaucoup appris sur la scène musicale anglaise. Forts de cet acquis, ils sont fermement décidés à regagner Londres dès qu'ils auront amassé à nouveau l'argent nécessaire. Leur premier objectif est cependant de trouver un chanteur pour leur groupe. Ils connaissent Morten Harket depuis quelque temps déjà. Il est le chanteur d'un groupe soul music, " Soldier Blue ". Ils se décident donc à convaincre Morten de les accompagner. " Souldier Blue " ne lui apportant plus entière satisfaction, ce dernier se laisse gagner par l'enthousiasme.

• A l'été 1982, ils s'installent loin de tout dans le bungalow de vacances des parents de Paul. Avec des sacs de couchage, quelques ustensiles de cuisine, des micros, des synthés et un magnétophone, ils ébauchent leur collaboration. Paul couche des idées sur le papier, Magne travaille les arrangements, Morten chante. Ils composent ainsi la première version de " Living a boy's adventure tale ". " Lesson one ", qui deviendra par la suite " Take on me ", prend forme à la même époque. Pendant tout l'été, nos trois norvégiens travaillent comme des fous.

• A l'arrivée de l'hiver, ils se décident alors à faire le grand plongeon. Après deux jours et deux nuits consacrés au mixage final de leur cassette, Paul et Morten s'embarquent sur le ferry le 2 Janvier 1983 à destination de l'Angleterre. Magne, plus sentimental que les autres, les rejoint une semaine plus tard le temps de dire au revoir à son amie Heidi. Peu de temps après leur arrivée à Londres en janvier 1983, Magne et Morten feuillettent le carnet de notes de Paul et tombent sur le titre d'une chanson de Jim Morrison (Les Doors) dont ils aiment la sonorité : " A-ha ". Pourquoi ne pas en faire le nom du groupe ? Une onomatopée dont les dictionnaires leur confirment qu'elle signifie, dans toutes les langues, l'étonnement, la surprise, le plaisir, le rire ou la satisfaction. Voilà comment A-ha est né, tout simplement…

• Après plusieurs allers et retours entre l'Angleterre et la Norvège, Ils font la connaissance de John Ratcliff et Terry Slater (Celui qui a découvert " Queen " et " Duran Duran "). Favorablement impressionnés par leur travail, ils deviennent leurs managers. Le groupe est entre de bonnes mains, et tout démarre très vite. C'est Andy Wickham, responsable de Warner Bros en Angleterre qui le premier s'offre à signer le groupe. Talonné par ses concurrents, il n'hésite pas à porter l'avance promise de 25 000 livres à 125 000 livres. En décembre 1983, A-ha vient enfin de trouver une maison de disques.

• L'album Huntinh High and Low voit finalement le jour, et le 45 T qui en est extrait, "Take on Me", est lancé sur le marché. Il passe complètement inaperçu ! Les garçons se désespèrent et la Warner s'impatiente. Un des dirigeants américains, Jeff Ayeroff, décide alors de s'en mêler. Convaincu du potentiel de A-ha, il leur donne la chance de remixer " Take on Me ". Il ne manque alors plus au groupe qu'une vidéo d'un genre nouveau pour accrocher le public. C'est chose magistralement faite grâce à l'astucieux Steve Barron. Ce mélange de fiction et de réalité est un vrai petit chef-d'œuvre et, dès sa sortie, le 45 T " Take on Me " se classe immédiatement dans le Top 20 américain.

• C'est au soir d'une dure journée, le 9 Octobre 1985, que la nouvelle tombe comme une bombe : A-ha est n° 1 aux Etats-Unis ! Et ce n'est qu'un début : " Take on Me " atteindra sans problème le sommet de tous les hit-parades européens. En France, la chanson se maintiendra vingt quatre semaines de suite au Top 50. En Février 1986, leur second 45 T, " The Sun Always Shines on TV ", se classe sans hésitation en tête des charts britanniques. Dans l'ensemble des pays européens, c'est le titre le plus programmé en radio pendant de nombreuses semaines. Il est temps désormais de préparer le second album. A-ha entre en studio à Londres en Avril 1986. Ils n'en sortent qu'en Mai, le temps d'un passage éclair au festival pop de Montreux (Suisse). Pendant qu'ils terminent l'enregistrement de leur album, Terry Slater met sur pied leur première tournée à travers le monde. A-ha s'attaque avec entrain aux répétitions de son prochain show. Bien qu'ils n'aient encore jamais joué en public, ils abordent l'épreuve en toute confiance. Pour s'être produits maintes fois sur scène du temps de leurs premiers groupes, Paul, Magne et Morten ne manquent pas d'expérience.

• C'est le 2 Juin 1986 à Perth en Australie que A-ha donne son premier concert (Depuis cette date jusqu'à 2002, le groupe aura donné 400 concerts au total dans le monde). La presse mondiale s'est déplacée en bloc pour assister à l'événement. Encore inconnu un an auparavant, le groupe a désormais des millions d'yeux braqués sur lui. Deux mille privilégiés assistent à cette première mondiale. Dès le premier morceau, " Train of Thought ", le délire gagne la salle entière. Tous acclament, dansent, applaudissent, en redemandent. Durant une heure, le groupe enchaîne quatorze morceaux, ceux de son premier album et quatre inédits de celui à venir. Il se révèle aussi efficace sur scène que sur vinyle. Morten tient le devant de la scène avec assurance et chante d'une voix puissante et remarquablement juste. Alors que nombreux étaient ceux à avoir parié sur le bide, A-ha réussit haut la main son examen de passage. Et ce n'est que la première étape d'une tournée de neuf mois (157 concerts) !

• Dans le même temps, le troisième single, " Hunting High and Low ", confirme A-ha comme l'un des groupes majeurs des années 80. Comme ses aînés, il se classe allègrement en tête des charts, et prouve que Paul, Magne et Morten ne sont pas le trio éphémère d'un seul tube. Leur premier album s'est vu couronner de platine dans de nombreux pays : Allemagne, Australie, Autriche, Belgique, Canada, Danemark, Etats-Unis, France, Suède et Suisse (Au total, 7.800.000 exemplaires vendus).

• En Juillet, Août et Septembre 1986, c'est au tour des Etats-Unis de recevoir A-ha en tournée. Là, comme plus tard au Japon et dans les différents pays d'Europe, ils remportent un large triomphe. En Novembre, la France ne fera pas exception. Les organisateurs, devant la ruée de fans, se voient même dans l'obligation d'ajouter des dates à celles initialement prévues. En Octobre, un quatrième 45 T, " I've Been Losing You ", précède de quelques mois la sortie de l'album " Scoundrel Days ". Il confirme tous les espoirs (Vendu à plus de 5.600.000 exemplaires). Toujours la même pop rock sensible et sophistiquée, empreinte d'un charme infaillible et d'une douce mélancolie. L'album est de même facture. " I've Been Losing You " et " Cry Wolf ", les deux premiers 45 T extraits de l'album, connaissent à leur tour les honneurs des hit-parades internationaux. A la suite d'une tournée éreintante de neuf mois, le groupe s'octroie enfin un repos bien mérité dans sa Norvège natale. A-ha est alors sollicité pour co-écrire, avec John Barry, la chanson du nouveau James Bond. Après des précédents aussi flatteurs que Paul McCartney et Duran Duran. Le résultat n'est autre que " The Living Daylights ", un disque que le trio ne classe pas à part dans sa carrière. " C'est une chanson de A-ha comme les autres, sauf que nous l'avons prêtée à un film. Nous sommes conscients d'avoir été choisis davantage en raison de nos chiffres de vente que de nos qualités musicales. Mais c'est sympa quand même ! ".

• Le groupe entreprend une nouvelle tournée française à l'été 1987. Cette fois, seule la partie méridionale de l'Hexagone est visitée. " Lors de notre dernière venue en France, nous avions été obligés d'annuler les dates prévues dans le Sud par manque de temps. Cet été, nous étions plus disponibles. Nous avons donc décidé de revenir. Nous aimons beaucoup jouer en France. "
Sur scène, A-ha joue entièrement sa musique. Avec le soutien d'un percussionniste qui n'est autre que le batteur de Bridges, le premier groupe de Paul et de Magne. " C'est très sympa de se retrouver. Ensemble, nous laissons plus de place à l'improvisation. C'est aussi plus excitant et plus amusant pour nous de jouer, et le public le ressent. "

• Dès Septembre 1987, le groupe entre en studio pour y concocter son nouvel et troisième album. Après avoir envisagé de l'enregistrer en Californie, c'est finalement l'Angleterre qui les voit de nouveau au travail. Avec la même équipe, dont Alan Tarney à la production. A l'époque, ils disent déjà de ce prochain album : " Il sera probablement plus gai et plein d'esprit. Nous le ferons aussi différent que possible des précédents. Nous essayons toujours de faire des chansons de style très varié sur chaque album. Les paroles du premier tournaient principalement autour de l'amour. Scoundrel Days était différent, plus politique. Il a changé l'idée que les gens se faisaient du groupe, et c'est important. Avec le premier disque, ils n'avaient qu'une vision fragmentée de la nature du groupe. Le second les a aidés à la cerner davantage. Le troisième devrait confirmer les impressions qu'ils ont tirées des deux autres. "

• En Juin 1988, le groupe A-ha présente son nouvel album, " Stay on The Roads ", au moment même où la tournée débute en Angleterre. Pour mettre en orbite ce cru 88, la ballade, qui donne son titre à l'album, sera illustrée par un clip aérien où transparaît la passion du groupe pour la moto. La chanson est classée troisième du Top 50 quand A-ha se présente devant le public français. Si les dates en province ne sont pas toute sold-out, le public, reste, cependant, acquis à la cause du trio norvégien. Celui-ci lui montrera sa reconnaissance en choisissant la côte normande pour venir tourner, en plein mois d'Août, la vidéo de " Touchy ". Au même moment, on commence à sentir un léger faiblissement dans la machine A-ha, essentiellement en Grande-Bretagne, où la " Brosmania " sévit depuis déjà un an (3.900.000 exemplaires vendus de l'album " Stay on these roads ")

• Au début de l'année 1989, le groupe quitte la scène pour se consacrer à l'enregistrement de son quatrième album à New York. Dans le même temps, " You are the One " est extrait de " Stay on These Roads ", avec un succès tout relatif (N° 21 en France). Interrogé au début de l'année 2002, Pal déclare d'ailleurs à ce propos avec beaucoup de recul : " Je regrette certaines chansons, You are the One par exemple, qui était un titre racoleur. (…) avec le clip également que je n'aimais pas ". Finalement, le nouvel album, " East of the sun, west of the moon " voit le jour en 1990 (2.300.000 exemplaires vendus). C'est un nouveau tournant pour le groupe qui se débarrasse avec cet album du public de " boys band " dont il ne voulait plus. De cet album, sortiront 3 singles : Tout d'abord " Crying in the rain " qui se classera 11ème en France (Single argent) et en Grande Betagne et 2ème en Allemagne. Puis en 1991 " I call your name " et " Early Morning " qui auront un maigre succès… Malgré tout, le groupe entreprend une tournée mondiale entre Janvier et Juin 1991 et remporte un large succès (11 concerts en France en Avril 1991).

• Toujours la même année, le groupe sort une compilation HEADLINES AND DEADLINES qui reprend les meilleurs tubes des 4 précédents albums (2.100.000 exemplaires vendus).

• En 1993, le groupe sort un nouvel album : " Memorial beach " (Seulement 722.000 exemplaiers vendus). Cette chute des ventes s'explique par le fait que le groupe a évolué musicalement depuis le 4ème album et que cela a dérouté bon nombre de fans. L'époque " Boys band " qui leur a collé si longtemps à la peau est définitivement révolue et cet album extraordinaire sur le plan musical le prouve amplement. De cet album sortiront néanmoins 3 singles qui sont passés complètement inaperçus en France (Mais pas en Angleterre, en Norvège ou en Allemagne) : " Move to Memphis ", " Dark is the night " et le superbe " Angel in the snow ". En 1993-1994, le groupe entreprend une nouvelle tournée (Angleterre, Pays-Bas, Danemark, Allemagne, Norvège, Liban et Afrique du Sud… Mais pas en France où le groupe n'a plus aucun succès…).

• Le 14 Mars 1994, le groupe sort un dernier 45 T, " Shapes that go together " écrit spécialement pour les jeux paraolympiques de LILLEHAMMER en Norvège, avant de se séparer. Pendant plusieurs années, A-ha va cesser d'exister, chacun des membres du groupe entreprenant une carrière solo :
- Morten Harket va sortir 3 albums solos : " Poetenes Evangelium ", " Wild seed " et " Vogts villa ".
- Paul Waaktaar-Savoy forme un nouveau groupe avec son épouse: SAVOY. Il va sortir 4 albums entre 1996 et 2001 : " Mary is coming ", " Lackluster me ", " Mountains of time " et " Reasons to stay indoors "
- Magne Furuholmen s'associe avec Kjetil Bjerkestrand avec qui il va notamment écrire des musiques de film. Pendant cette période, Magne s'adonne surtout à sa passion : la peinture.

• En fin d’année 1998, le groupe se reforme ponctuellement le temps d’interpréter une nouvelle chanson, " Summer Moved On ", à l’occasion de la remise du prix Nobel de la paix. C’est à ce moment là que Paul, Mags et Morten sentent qu’ils doivent refaire de la musique ensemble. En 2000 effectivement, le groupe se reforme et lance " Minor earth major sky " mais ne le distribue pas mondialement. La promotion étant quelque peu déficiente, l'album passe une nouvelle fois inaperçu en France. Par contre, l'album enregistre des ventes exceptionnelles en Europe (Allemagne, Norvège). Du coup, la machine A-ha retrouve son efficacité. Au total, 2.000.000 exemplaires vendus en Europe, ce qui démontre au passage que les vrais fans, qui ont mûri, n'ont pas oublié leur groupe fétiche. De plus, leur album est un pur chef d'œuvre, certainement l'un des meilleurs du groupe. Entre Novembre 2000 et Août 2001, le groupe entreprend avec succès une nouvelle tournée mondiale (japon, Allemagne, Russie, Norvège, Suisse et Danemark). Les 45 T issus de cet album sont " Minor earth major sky ", " Summer moved on " et "Velvet".

• En 2002, le groupe sort un nouvel album : " Lifelines ". Un disque dans la lignée de son prédécesseur : arrangements racés et somptueux aux parfums eighties, pop feutrée un brin nostalgique et sophistiquée, une pop pouvant évoquer par moments le côté félin funky de Bryan Ferry et flirtant parfois avec le dance. Hors temps, hors mode, le trio n'a rien perdu de son charme. Ce nouvel album cartonne partout en Europe car il est varié et très bien produit (Plusieurs producteurs ont participé à cet album. L'un d'eux, Stephen Hague, a travaillé avec Blur, New Order, Marc Almond…). A partir du 8 Juin 2002, le groupe entreprend une nouvelle tournée mondiale avec un passage très remarqué le 19 Juin 2002 au Casino de Paris ainsi que le 7 Octobre 2002 pour un concert exceptionnel au Zénith de Paris.

• Durant cette tournée 2002 (42 concerts dans 21 pays différents), le groupe A-ha aura été surpris par l’accueil enthousiaste du public. Un véritable succès ! Du coup, pour la première fois de sa carrière, A-ha décide de sortir le 24 mars 2003 (Le 25 mars en France) un double CD LIVE exceptionnel intitulé " How Can I Sleep With Your Voice In My Head " qui démontre tout son talent musical.
Mais alors, pourquoi A-ha n'est-il pas un groupe reconnu en France comme il peut l'être en Allemagne ou dans d’autres pays ? Pourquoi en France le groupe a-t-il toujours cette étiquette de " Boys band " qui lui colle à la peau ?

Arte (la chaîne de télévision franco-allemande) leur a consacré un excellent documentaire en 2008 ; voici le texte intéressant qui l'accompagnait sur leur site, et complètera le paragraphe précédent.

"Les rois du disco, ce sont eux. Agnetha Fältskog, Benny Andersson, Björn Ulvaeus et Anni-Frid Lyngstad (…) se font connaître en 1974 au concours de l'Eurovision avec "Waterloo". Deux ans plus tard, ils ne cessent d'enchaîner les tubes ("Dancing queen", "Money money money", "Super troupers", "Knowing me, knowing you", "Take a chance on me"…) qui se retrouvent en tête des hits parade du monde entier. Le documentaire retrace l'histoire d'un groupe idolâtré, troisième au palmarès des meilleures ventes (après Elvis Presley et les Beatles) avec 370 millions d'albums vendus."

Même si Abba a démenti les rumeurs selon lesquelles le groupe se reformerait, les quatre membres semblent avoir enterré la hache de guerre. Fin juin 2008, ils sont apparus en public pour la première fois depuis vingt-cinq ans à l'occasion de l'avant-première du film Mamma mia ! Inspiré de l'histoire du groupe," Mamma mia !" est à l'origine une comédie musicale lancée à Londres en 1999 et vue depuis par plus de 25 millions de spectateurs dans le monde. Le film réunit Meryl Streep, Colin Firth et Pierce Brosnan dans les rôles principaux. Il est sorti en France le 10 septembre 2008 ; le succès fut au rendez-vous dans le monde entier…

Source

Les compositions du groupe sont dans la plus pure lignée du blues et du rock : mesure binaire (très appuyée chez AC/DC), gamme pentatonique (utilisée en blues) et solo de guitare.
Les guitares saturées (le son Marshall), la voix grinçante et la hargne des morceaux rangent AC/DC dans la catégorie hard rock. Cependant, la musique d'AC/DC est empreinte de blues aussi bien dans les solos (Touch Too Much, par ex.) que dans les riffs (The Jack, Stiff Upper Lip, par ex.).
Qualifier la musique d'AC/DC de heavy metal est abusif tant elle est proche de la structure commune au blues et au rock. Seules des pistes de l'album The Razor's Edge (The Razor's Edge et Thunderstruck) empruntent quelques éléments au metal.

La palette d'accords employés par les frères Young est assez simple ; les accords de Mi5, La5, Si5, Ré5 revenant le plus souvent (excepté dans certains titres de l'album Ballbreaker et dans The Razor's Edge). La discographie d'AC/DC est particulièrement homogène, aussi bien au niveau du style que de la qualité. La musique du groupe a évolué depuis sa formation, mais son orientation est restée la même…

Source

Vers la fin des années 1960, Steven Tyler, un jeune batteur de Boston, rencontre le guitariste Joe Perry dans la boutique d'un marchand de glaces du New Hampshire. Ensemble ils forment d'abord le Jam Band, un power trio à la Cream, avec le bassiste Hamilton. Un second guitariste, Whitford, puis un batteur, Kramer, se joignent à eux, Tyler se consacrant au chant. Aerosmith est né. L'été 1970 le groupe se rode à The Barn, une boîte du New Hampshire, touchant un cachet de trente dollars par soir. Un bon bouche à oreille lui permet de se fixer à Boston, où il joue dans le circuit des bars du campus. Un noyau de fans le suit déjà dans tous ses déplacements. Épaté par son passage explosif au Max's Kansas City de New York, Clive Davis, le patron de Columbia lui offre un contrat en 1972. Un premier album (sans titre) au rock brut, primaire et mélodieux, incluant une reprise de Rufus Thomas, sort début 1973. Les ventes sont modestes, et le succès en 45 tours de la ballade "Dream On" reste régional. De même pour le second Get Your Wings (1974) qui compte une reprise des Yardbirds ("Train Kept A Rollin'"). Le groupe accompagne en tournée Blue Öyster Cult, Mott The Hoople et les Kinks, conquérant un public de plus en plus vaste.
"Toys In The Attic" (1975), avec ses quatre millions d'exemplaires vendus, met le feu aux poudres. Aux États-Unis, Aerosmith emplira vite les stades, faisant jeu égal avec Kiss et Journey. Mélange vitaminé de groove funkie et de riffs à la Stones, avec des paroles salaces, ce disque reste au sommet avec les tubes "Walk This Way" et "Sweet Emotion", égalé par le classique Rocks (1976), qui inclut "Back In The Saddle" et "Last Child". Réédité en 1976, le simple "Dream On" impose le style des power ballads qui plaira tant aux radios FM. La critique se moque de Tyler, en qui elle voit une doublure caricaturale de Mick Jagger, avec les mêmes grosses lèvres et le même déhanchement. On surnomme, par dérision, Tyler et Perry les « Toxic Twins » (les « jumeaux toxiques »), en raison de leur excès de substances chimiques.
Fin 1977, la décadence s'amorce déjà. Draw The Line (1977) ne comporte aucun titre marquant et le double Live ! Bootleg (1978) déçoit. Dans Night In The Ruts (1979) , produit par Gary Lyons (Queen, Foreigner, Ian Hunter), Aerosmith se montre sans conviction, reprenant "Think About iT" des Yardbirds et "(Remember) Walking In The Sand" des Shangri-Las. Sitôt l'enregistrement terminé, Perry Lâche le groupe. Le public se lasse aussi, et le disque aura relativement moins de succès. Pourtant, une reprise de "Come Together" leur offrira un nouveau tube. En 1979 le guitariste démarre son Joe Perry Project chez Columbia (Let The Music Do The Talking, en 1980, et I've Got The Rock'N'Rolls Again, en 1981, feront une apparition fugace dans les clasemments) puis chez MCA (Once A Rocker, Always A Rocker, en 1983. Jimmy Crespo, ex-Flame le remplace pour une tournée qui coïncide avce la sortie d'un Greatest Hits (1980). En 1981, Brad Whitford part à son tour, enregistant un album solo chez Columbia avec Derek Saint holmes (ex-chanteur guitariste de Ted Nugent). En 1981, Tyler se remet lentement d'un accident de moto, et la drogue n'arrange pas les affaires du groupe. Il faut attendre 1982 et l'arrivée du guitariste Rick Dufay pour qu'Aerosmith reprenne ses activités et enregistre un Rock In A Hard Place plutôt faible mais fidèlement accueilli par son public.
Au milieu des années 1980, Aerosmith se « remet en selle », pour reprendre le titre de sa tournée de 1985. En 1984, le jour de la Saint-Valentin, Perry et Whitford reviennent dans le groupe pour le concert à l'Orpheum Theater de Boston. Tyler, intoxiqué jusqu'aux yeux, s'écroule sur scène au début de la tournée. En 1985, alors que son contrat avec Columbia expire (« Ils en avaient marre que nos chèques soient directement encaissés par des dealers »), le groupe signe un contrat très juteux avec Geffen. De cet accord naît Done With Mirrors, son meilleur album depuis longtemps. Tyler et Perry suivent chacun une cure de désintoxication. En 1986, en concomitance avec le premier Classic Live, le duo de rappeurs Run-DMC reprend "Walk This Way", invitant Tyler et Perry dans son clip. Cette association entre rock et rap fera date. En 1987, quelques mois après le Classic Live Two, Permanent Vacation, confirme la réussite de la seconde formation, commerciale, certes (trois fois disque de platine), mais aussi musicale. Grâce aux mélodies sur mesure des compositeurs Desmond Child et Jim Vallence, des titres comme "Dude (Looks Like A Lady)", "Rag Doll" et "Angel" occupent les ondes. Les fans de la première heure regrettent cette sophistication nouvelle. Après la compilation Columbia Gems en 1988, Pump (1989) présente un équilibre parfait entre le raffinement et la hargne des débuts. Empli de ballades parfois mièvres comme "What It Takes", prétextes à vidéos exhibant des filles agréablement charpentées sur MTV , le disque inclut "Love In An Elevator", le controversé "Janie's Got A Gun" (sur l'enfance maltraitée) et "The Other Side", tous des tubes.
En 1991, peu après la sortie de Pandora's Box, coffret de trois CD réunissant tubes, raretés et reprises inédites (où la période Geffen des années 1980 n'est, hélas, pas représentée), le groupe apparaît dans la série animée Les Simpsons. En 1994 sortent Big Ones, compilation axée principalement sur les ballades, et Box Of Fire, regroupant en un coffret tous les albums du groupe chez Columbia. Après Get A Grip (1993), Aerosmith, revenu chez Sony-Columbia, a longtemps préparé Nine Lives (1997), un disque surchargé d'effets sonores, réalisé dans un climat de déchirement (le manager Tim Collins, affirmant que Tyler se droguait à nouveau, a été renvoyé au milieu des séances), disque jugé sans spontanéité et trop lisse. Un double live, A Little South Of Sanity (1998) a été enregistré en guise de conclusion du contrat avec Geffen. Cette même année le groupe signe la bande originale du film Armageddon dans lequel joue Liv Tyler (sœur de Mia Tyler), fille du chanteur. Avec les quelques autres disques qui suivirent, le groupe revint sur le devant de la scène (Depuis 1999, l'attraction Rock 'n' Roller Coaster des parcs Disney propose même d'écouter la musique du groupe dans une montagne russe !), ne retrouvant toutefois que partiellement sa fougue et son public passé.
Le groupe est entré en studio durant l'été 2011, pour enregistrer son 15e album studio, dont la sortie est annoncé pour mars 2012.

Line-Up :

Steven Tyler - Chant
Joe Perry - Guitare
Brad Whitford - Guitare
Tom Hamilton - Basse
Joey Kramer - Batterie

Actif depuis 1965, Lavilliers est reconnu pour son mélange unique de chanson française, rock, reggae, salsa et bossa nova. Son parcours musical est marqué par des voyages à travers le monde, notamment en Amérique latine, qui ont influencé son style et ses textes.

Au-delà de sa carrière musicale, Lavilliers est également acteur et a été associé à divers mouvements politiques et sociaux tout au long de sa vie. Il a notamment soutenu les ouvriers en lutte, les sidérurgistes lorrains et s'est engagé contre le barrage de Belo Monte en faveur des Amérindiens.

Biographie

Enfance et formation

Bernard Ouillon^, naît le 7 octobre 1946 à Saint-Étienne^, ou à Firminy selon les sources. Son père, résistant pendant la Seconde Guerre mondiale, et syndicaliste plus tard^{[réf. nécessaire]}, est ouvrier dans la manufacture d'armes locale à la manufacture nationale d'armes (MAS) et sa mère est institutrice. Son éducation joue un grand rôle dans son approche de la musique. Il explique que ce sont ses parents qui lui ont donné la passion pour les rythmes tropicaux, le jazz portoricain, la musique classique et la poésie. Il écoute, dès ses quatre ans, beaucoup de musique grâce au tourne-disque qui lui est offert pour son anniversaire. Parmi les événements notables : il est frappé d'une pneumonie pendant son enfance et ses parents déménagent en banlieue pour l'éloigner de la pollution de Saint-Étienne ; il commence la pratique de la boxe à l'âge de 13 ans.

Selon l'historiographie officielle, à quatorze ou quinze ans, il fait un séjour en maison de correction. À sa sortie, il commence à travailler et devient, à la demande de son père, tourneur sur métaux à la MAS. Il écrit plus tard : « À cette époque de ma vie, je me cherchais : je ne savais pas si je serais gangster, boxeur ou poète? ».

En 1963, il adhère au parti communiste français.

À ses 18 ans, il participe à Saint-Étienne à Nocturne, un premier montage (textes-chansons) créé par la troupe Duk (dirigée par Pierre-René Massard), aux côtés d'un autre jeune Stéphanois, Alain Meilland, futur cofondateur du Printemps de Bourges auquel il participera à de nombreuses reprises.^{[réf. nécessaire]}

À 19 ans, il part pour le Brésil, d'où il revient un an plus tard. Il serait alors considéré comme insoumis vis-à-vis du service national. Bernard Lavilliers déclare au journal Le Temps : « Un an de mitard parce que j'avais essayé d'échapper au service militaire. J'ai refusé de porter l'uniforme, on m'a jugé comme déserteur et j'ai passé mon temps dans une forteresse à Metz. J'étais à l'isolement^,. »

Toute cette période de sa vie, souvent racontée de différentes manières par les médias, fait l'objet d'interrogations, portant principalement sur la concordance des dates et la véracité des faits^,,.

Débuts

À partir de l'âge de 20 ans, Bernard Ouillon vit principalement en faisant la manche, jouant de la musique pour les passants. Il chante en parallèle dans des cabarets de la rive gauche à Paris, comme chez Jacky Scala, rue Lacépède. On le retrouve aussi à la Cour des miracles à Bordeaux, en compagnie de Gilles Elbaz, Germinal ou Gérard Ansaloni. Il touche sa première paie en jouant à la pizzeria du Marais à Paris. Il y partage la scène avec Jacques Higelin et Renaud. En 1967, il sort ses premiers 45 tours et obtient le prix de la Rose d'or de la chanson à Montreux avec La Frime.

Son premier album, Chanson pour ma mie, sort en 1968, avec en titre son prénom et un énigmatique « Lavilliers » (probablement lié au nom de la ville ouvrière d'Aubervilliers, selon ses propres déclarations), qui deviendra son nom de scène. Pendant les événements de mai 1968, il chante dans les usines occupées de la région lyonnaise. Sillonnant alors la France, il éprouve des difficultés à percer dans la musique, tout en jouant pendant quelques mois dans des cabarets de province ; au mois de juin 68, il fait la manche en Bretagne. Il exerce plusieurs petits boulots (restaurateur, gérant de boite de nuit à Marseille, etc.) et se marie en 1970 avec Évelyne.

Années 1970

En 1970, Bernard Lavilliers sort un 45 tours simple, sous le pseudonyme « Edgar de Lyon », avec les titres Camelia blues et Juliette 70.

Bernard Lavilliers sort son deuxième album en 1972, Les Poètes et commence à avoir une certaine notoriété, qui se confirme, en 1975, avec Le Stéphanois (et notamment les titres « San Salvador » et « Saint-Étienne », introduite par « (l)a très higelinesque/gainsbourgienne première chanson de l'album », « Les aventures extraordinaires d'un billet de banque »). C'est à partir de cette date que le métier de chanteur devient vraiment sérieux pour le chanteur, et qu'il s'y investit vraiment.

La consécration intervient en 1976 avec Les Barbares. Il rencontre Eddie Barclay qui prend en charge sa carrière. Il décrit cet album comme le tournant musical de sa carrière. On y découvre en effet un mélange musical allant du rock au funk en passant par les rythmes tropicaux. Cet album a été composé en collaboration avec le groupe de musique "Némo", avec qui il tourne en concert pendant quelques années. Il passe pour la première fois à l'Olympia en octobre 1977. C'est à cette période qu'il rencontre Léo Ferré, un modèle pour lui.

À la faveur d'une tournée commune en 1977 (à laquelle participent aussi les groupes Magma et Gong), les deux hommes se lient d'amitié. Quelques années plus tard, Lavilliers invite d'ailleurs son aîné à chanter avec lui à la fête de l'Humanité en 1992 et fait un concert en hommage à l'œuvre de Ferré en 2006 à Lyon en compagnie de ses musiciens habituels et de l'orchestre national de Lyon. Un DVD de ce concert sortira en 2009 sous le nom de Lavilliers chante Ferré. La fin des années 1970 est une période prolifique pour Lavilliers puisqu'il sort 15^e Round en 1977 et Pouvoirs en 1979. Ce dernier se présente comme un album-concept remarquable, presque entièrement consacré au thème du pouvoir. En 1978, son album en public, T'es vivant ?, marque toute une génération adepte de la chanson rock française.

En avril 1979, Lavilliers s'installe à Saint-Malo, achète un bateau et part pour la Jamaïque, puis vers New York et le Brésil. Il revient en France avec l'album O gringo, l'un de ses disques les plus célèbres. La légende de Bernard Lavilliers, musculeux voyageur des quartiers louches des Amériques, se forge sur cet album exotique et notamment sur la photo de la pochette où on le voit hilare dans une chambre, une carte de New York et un revolver posés dans une valise. Cet album est celui de la reconnaissance musicale et du succès. Les rythmes reggae, salsa et traditionnels brésiliens (Sertaõ dédié à Lampião, cangaceiro mythique de la libération au Brésil) font de ce disque un album éclectique. Suit une grande série de concerts et il joue notamment dans le cadre du premier Festival international de jazz de Montréal en 1980.

Années 1980

Les années 1980 sont des années de gloire pour Lavilliers. En 1981 sort l'album Nuit d'amour qui raconte notamment sa nouvelle vie à Los Angeles et sa rencontre avec Lisa Lyon qui deviendra sa femme. Cet album montre un certain renouveau et explore de nouvelles pistes musicales plus électroniques, notamment avec le titre Night Bird, mais certains titres comme Pigalle la Blanche semblent plus dans la continuité de son album précédent.

En 1983, sort État d'urgence. Cet album très noir n'est pas forcément le plus célèbre de sa discographie, bien qu'y figure le titre Idées noires pour lequel il forme avec succès un duo avec Nicoletta. Teinté de nostalgie (À suivre, qui raconte son retour à Saint-Malo pour y retrouver un amour perdu), mais surtout d’un profond cynisme sur notre monde (État d’urgence), il aborde aussi sa légende et le mystère qui tourne autour de sa personnalité dans Le Clan mongol et raconte ses passages en prison dans Q.H.S.. Lavilliers traîne son humeur triste sur une musique rock concoctée par ses musiciens fétiches de l'époque : Pascal Arroyo, Jean-Paul Hector Drand et François Bréant.

En 1984, il sort Tout est permis, rien n'est possible, disque semblant être plus dans la lignée de son travail des années 1970, notamment les albums 15^e Round et Pouvoirs. Lavilliers reprend alors les voyages et publie en 1986 un de ses albums les plus célèbres, Voleur de feu. Cet album se présente comme un condensé des styles musicaux parcourus depuis le début de sa carrière. Parmi les titres se trouve le fameux « Noir et blanc », qui évoque l'apartheid et auquel N'Zongo Soul prête sa voix. En 1988, sort l'album If... sur lequel se trouve le titre « On the Road Again ».

Années 1990 et 2000

À l'orée des années 1990, Bernard Lavilliers raconte ses voyages en Asie dans l'album Solo (1991). Il est la vedette de la première de l'émission musicale Taratata en janvier 1993. L'album Champs du possible, sorti en 1994, est marqué par une ambiance fin de millénaire (Troisièmes Couteaux, Champs du possible) et par son duo reggae avec Jimmy Cliff, Melody Tempo Harmony, qui reste l'un de ses plus grands succès. En 1997, tout juste quinquagénaire, Lavilliers sort Clair-obscur qui se compose de morceaux aux allures reggae (Audit, Le Venin), de musiques tropicales (Romeo Machado, Capitaine des sables), mais aussi de rock (La Machine). Sur cet album, il reprend un texte engagé et cynique de Léo Ferré dans le titre d'ouverture Préface.

En 2001, sort l'album Arrêt sur image dans lequel figure l'hymne ouvrier Les Mains d'or. Toujours inspiré et en constante évolution, Bernard Lavilliers sort en 2004 Carnets de bord, nouvel hymne au voyage. L'une de ses chansons, L'Été, est une adaptation d'un tube brésilien (Morango do Noreste), repris en Afrique, Amour en or. Dans Voyageur, il se définit lui-même comme un « trafiquant de métaphores, insurgé de l'univers, passager du Maldoror, entre la mort et la mer ». Sur cet album figurent aussi un duo reggae avec Tiken Jah Fakoly intitulé Question de peau, et une diatribe écologique, État des lieux.

En 2008, il sort Samedi soir à Beyrouth, un album reggae-soul réalisé à Kingston en Jamaïque et à Memphis (États-Unis), avec des musiciens locaux.

Années 2010 et 2020

Fin 2010, Lavilliers sort Causes perdues et musiques tropicales. Le titre de cet album vient d'une discussion avec François Mitterrand dans les années 1980. Alors invité au ministère de la Culture en compagnie d'autres artistes, il se voit demander par le président de l'époque ce qu'il fait de ses journées. Il répond à cela « comme toujours, je chante des causes perdues sur des musiques tropicales ». Cet album est une ode à la musique tropicale du monde entier, de la salsa (Cafard, Causes perdues) à la musique traditionnelle sud-américaine (Coupeurs de cannes, La nuit nous appartient) et comme une invitation au voyage, du Brésil à New York en passant par l'Angola et par Paris. Angola est d'ailleurs le titre d'ouverture du disque ; cette chanson est aussi celle de Bonga Kuenda qui l'accompagne en duo dans cette nouvelle version. Il remporte, avec cet album, la victoire de la musique de l'album de chansons en 2011.^{[réf. nécessaire]}

En novembre 2013 sort un nouvel album intitulé Baron Samedi. Ce 20^e opus est au format d'un double album. Le premier CD comporte dix titres au travers desquels il évoque son récent voyage en Haïti (il y a tourné un documentaire et écrit trois chansons), ou encore la disparition récente de sa mère à qui il rend hommage avec le titre Sans fleur ni couronne. Sur le second CD, il se fait narrateur d'un poème de Blaise Cendrars écrit en 1913, La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France. Cet album marque le début d'une collaboration avec Romain Humeau, qui participera dès lors à la réalisation de tous les albums de l'artiste.

Fin septembre 2017, il sort son 22^e album studio, intitulé 5 minutes au paradis. Pour construire cet album « à dominante pop-rock », il s'entoure d'artistes avec qui il a déjà collaboré sur des projets précédents comme Romain Humeau (Eiffel) ou Fred Pallem, et sollicite aussi Benjamin Biolay, Florent Marchet ou encore le groupe Feu! Chatterton, qui représentent selon L'Humanité « la nouvelle génération de la chanson française ». C'est le titre Charleroi, créé avec Feu! Chatterton, qui sera le premier single de l'album. Jeanne Cherhal est aussi présente pour chanter L'Espoir, titre qui clôture l'album^,.

Le 12 novembre 2021, il sort l'album Sous un soleil énorme, d'où est extrait le single Le Cœur du monde le 9 septembre.

Vie privée

Durant les années 1970, il partage sa vie de façon intermittente avec Évelyne Rossel avec laquelle il a deux enfants. Il est marié de 1982 à 1983 à la bodybuildeuse Lisa Lyon^,, puis avec Melle Li (de son vrai nom : Jocelyne Gourdet) de 1984 à 1989.

Il est le père de quatre enfants : Anne-Laure, née en 1967 d'une première union ; Virginie, née en 1972 d'Évelyne Rossel ; Guillaume en 1975, musicien qui accompagne parfois son père sur scène ; Salomé, née en 1987 d'une rencontre avec Françoise. Il lui consacre la chanson Salomé et elle apparaît parfois avec lui sur scène, notamment en 1995 au Palais des sports de Paris.^{[réf. nécessaire]}

Au tournant des années 1970 et 1980, sa compagne Lisa Lyon, championne du monde de culturisme, l'encourage à travailler son corps, contribuant à son image de chanteur physique. Lisa, également lectrice de scénarios à la MGM, était amie d'Andy Warhol et de Robert Mapplethorpe qui les a photographiés le jour de leur mariage.

Depuis 2003, il vit avec Sophie Chevallier, une graphiste et sculptrice^,.

Engagements politiques et sociaux

En 1963, il adhère au Parti communiste français.

En 1968, Bernard Lavilliers s'engage auprès des ouvriers en lutte dans les usines. Il apporte notamment son soutien aux sidérurgistes lorrains depuis plus de trente ans. Entre autres choses, il leur dédie en 1978 la chanson Fensch Vallée. Le 17 décembre 1991, il donne un concert symbolique sur le site du haut-fourneau U4 à Uckange, pour les salariés de l’usine Lorfonte menacée de fermeture. Vingt ans plus tard, en 2011, il est de retour pour soutenir les « métallos » de l'usine ArcelorMittal à Florange. Il leur dédie la chanson Les Mains d'or, extraite de l'album Arrêt sur image (2001).

Il donne plusieurs concerts de soutien à la Fédération anarchiste, en particulier en 1980 à l'hippodrome Jean Richard et en 1983 à l'Olympia.

On le voit aussi chanter en 2002 à la fête de Lutte ouvrière.

Dans un entretien à L'Humanité en 2005, Il déclare avoir toujours eu « un regard de tendresse pour les cocos » (son père ayant été adhérent au PCF), mais se dit proche de l'anarchisme depuis son adolescence.

En 2008 et 2009, il signe des pétitions et s'engage fortement en faveur de la loi Hadopi visant à réprimer le téléchargement illégal de musique sur Internet^,.

En 2011, il soutient officiellement le chef Raoni et les Amérindiens dans leur combat contre le barrage de Belo Monte et continue depuis à accompagner l'association Planète Amazone auprès de laquelle il a contribué à la création de l'Alliance des Gardiens de Mère Nature, mouvement regroupant des représentants indigènes du monde entier et leurs alliés.

La même année, il soutient publiquement Jean-Luc Mélenchon, candidat du Front de gauche à l'élection présidentielle de 2012, pour lequel il votera également cinq ans plus tard.

Il chante également pour les altermondialistes.

En 2019, après avoir initialement considéré que le mouvement des Gilets jaunes est « un vrai mouvement social parti de la base », il prend ses distances en estimant que cela « vire au poujadisme. Et on sait où le poujadisme mène : au Front national » ; dans le même temps, il déclare « plutôt bien aimer Macron, même s’il est entouré d’une bande de stagiaires », et ajoute « à part lui, je ne vois aucune autre alternative ».

Il est le parrain du phare d'Eckmühl à la pointe de Penmarc'h, dans le sud Finistère.

En mars 2022, il annonce voter à nouveau pour Jean-Luc Mélenchon pour l'élection présidentielle française, et soutenir Emmanuel Macron au second tour pour faire barrage à l'extrême-droite.

Influences et inspirations

Bernard Lavilliers est influencé par la chanson réaliste, les poètes communistes et la contre-culture gauchiste post-marxiste, qui ont fortement inspiré ses premiers écrits (Les Poètes, Le Stéphanois). La dénonciation du (des) système(s) s'amplifie dans une posture contestataire d'affrontement avec les divers tenants du pouvoir dans Les Barbares, 15^e round, T'es Vivant. L'influence de Léo Ferré se fait sentir dans cette vision du monde (exaltation de la marginalité, mêmes refus), dans l'écriture (réappropriation de certaines images) et dans l'énonciation (déclamation). Musicalement, il utilise alors les influences post Doors et les ambiances lancinantes du rock progressif.

Discographie

Albums studio

• 1968 : Chanson pour ma mie
• 1972 : Les Poètes
• 1975 : Le Stéphanois
• 1976 : Les Barbares
• 1977 : 15^e Round
• 1979 : Pouvoirs
• 1980 : O Gringo
• 1981 : Nuit d'amour
• 1983 : État d'urgence
• 1984 : Tout est permis, rien n'est possible
• 1986 : Voleur de feu
• 1988 : If...
• 1991 : Solo
• 1994 : Champs du possible
• 1997 : Clair-obscur
• 2001 : Arrêt sur image
• 2004 : Carnets de bord
• 2008 : Samedi soir à Beyrouth
• 2010 : Causes perdues et musiques tropicales
• 2013 : Baron Samedi
• 2014 : Acoustique
• 2017 : 5 minutes au paradis
• 2021 : Sous un soleil énorme

Filmographie et vidéographie

Longs métrages de fiction

En tant qu'acteur

• 1981 : Neige de Juliet Berto et Jean-Henri Roger : Franco
• 1985 : Fumeurs de charme de Frédéric Sojcher : lui-même

En tant que compositeur

• 1981 : Neige de Juliet Berto et Jean-Henri Roger
• 1984 : Rue barbare de Gilles Béhat
• 2008 : Stella de Sylvie Verheyde

Documentaires

• 2003 : Americas de Xavier Fischer produit par Bonne Pioche et diffusé sur Voyage. Sélectionné au festival étonnants voyageurs de Saint-Malo
• 2013 : Lavilliers dans le souffle d'Haïti, de Bernard Lavilliers et d'Axel Charles-Messance.
• 2020 : Lavilliers par Lavilliers, de Bruno Le Jean (No One / France Télévisions).

Par ailleurs, Bernard Lavilliers assure le commentaire en voix off des documentaires suivants :

• 2005 : Les Trésors Maudits de l’Altiplano, 52 min de Dominique Lenglart (Bonne Pioche, France 5) ;
• 2020 : Le Temps des Ouvriers de Stan Neumann (Les Films d'ici, Arte).

DVD

• 1989 : Live: On the Road Again, réalisé par Bernard Lavilliers (Barclay)
• 2005 : Escale au Grand Rex (Barclay)
• 2009 : Lavilliers chante Ferré, concert à l'auditorium Maurice Ravel de Lyon, le 24 octobre 2006, avec la participation de l'Orchestre national de Lyon (Barclay)

Interprétations de poèmes et reprises

Chansons dans lesquelles Lavilliers est cité

Renaud

• « Ma chanson leur a pas plu » : dans la première version de la chanson, sur l'album Morgane de toi, le chanteur Renaud rédige des couplets à la façon de Jean-Patrick Capdevielle, Francis Cabrel, Lavilliers et lui-même, il prétend avoir rencontré Bernard au stade Geoffroy-Guichard, et lui avoir proposé une chanson « qui [?] s' passe à New York - Y a Jimmy qui s' fait flinguer - Par un black au coin d'un bloc - Par un flic très singulier - Il était pas vraiment mort - Il était blessé seulement - Jimmy, il est vach'ment fort - Il est dealer et on l'dit lent [?] »
• « Germaine » (en public) : le vers de la chanson originale « Elle écoutait les Stones et Maxime Le Forestier », se transforme en « Elle écoutait les Stones et Bernard Lavilliers. » dans la version en concert.
• Le Père Noël noir (live) : c'est une introduction sarcastique sur l'album live Un Olympia pour moi tout seul : « [?] le père Noël... black », avec un black qui claque « façon Bernard Lavilliers. »^[Quoi ?]
• Dans la chanson « À quelle heure on arrive », sur l'album Le Retour de Gérard Lambert, Renaud prétend qu'au concert du soir, ils seront des milliers : « [?] enfoncés Supertramp, Trust et? Lavilliers (meuh non, j'déconne) [?] »

Elmer Food Beat

• Couroucoucou Roploplo : extrait de l'album 30 cm, d'Elmer Food Beat. le groupe entonne le refrain « [?] Rio de Janvier, Bernard Lavilliers, moi j'ai tout oublié, sauf tes gros nénés. »

Les Fatals Picards

• Une chanson, intitulée « Bernard Lavilliers », lui est consacrée sur l'album Pamplemousse mécanique des Fatals Picards, sorti en janvier 2007. Dans cette chanson, il est dépeint comme un surhomme ayant tout fait, avec par exemple « Il a écrit le Coran, le Kamasutra, les livres de poche. » Bernard Lavilliers apparaît dans le clip vidéo de la chanson^,.

Svinkels

• Les Svinkels citent le nom de Bernard Lavilliers dans la chanson À coups de Santiag (album Tapis rouge, 1999), pour faire une rime avec De Villiers et Laguiller, en parlant de personnalités politiques de la fin des années 1990 : « Pour parler d'De Villiers, j'm'habille comme Bernard Lavilliers / Les fachos cathos, m'rendent fous à lier, comme Arlette Laguiller. »

Distinctions

Sa composition pour le film Rue barbare est nommée pour le César de la meilleure musique lors de la cérémonie de 1985.

Lors des Victoires de la musique en 2005, il est nommé pour la Victoire de l'album de chansons avec Carnets de bord.

Lors des Victoires de la musique en 2011, il remporte la Victoire de l'album de chansons de l'année avec Causes perdues et musiques tropicales.

En 2014, Bernard Lavilliers est nommé pour le Globe de cristal du meilleur interprète masculin.

Notes et références

Notes

Références

Voir aussi

Bibliographie

• En 1987, deux magazines (petit format A5) publient un numéro entièrement consacré à l'artiste, chacun d'une centaine de pages largement illustrées :
  • Lavilliers : La vie comme un coup de poing, François Bensignor, Top Stars ;
  • Tout sur Bernard Lavilliers, Éléonore Damien, Hyperstar.
• Bernard Lavilliers : itinéraires d'un aventurier, Dominique Lacout, éditions du Rocher, 1998 (ISBN 2-268-02714-7)
• L'Or des fous, 2000, bande dessinée aux éditions du Soleil, accompagne et illustre le CD éponyme (Universal) (ISBN 2-84565-100-7)
• Fin 2004, l'éditeur Christian Pirot a publié, en deux tomes, l'intégralité des textes de 189 chansons :
  • Bernard Lavilliers : Les couteaux de la ville (1968-1983), 242 p., préface de Didier van Cauwelaert (ISBN 2-86808-212-2)
  • Bernard Lavilliers : La malédiction du voyageur (1984-2004), 244 p., (ISBN 2-86808-213-0)
• Bernard Lavilliers, escales, 2005, de Gert-Peter Bruch avec des photos de Thierry Nectoux, aux éditions Flammarion, avec un portrait chinois de Juliette Gréco en guise de préface. 191 p. reliées (ISBN 2-08-011478-6)
• Les Vies liées de Lavilliers, Michel Kemper, éditions Flammarion, 2011 (ISBN 978-2081249349) Cet ouvrage, écrit par un journaliste de la revue spécialisée Chorus, admirateur de Lavilliers mais ayant gardé son esprit critique, n'est ni un pamphlet ni une hagiographie. Fruit d'une enquête de six ans et de nombreux entretiens avec les proches du chanteur, il reconstitue la vraie vie de Bernard Lavilliers et affirme, preuves à l'appui, que l'ensemble de sa légende (maison de correction, prisons, boxe, Brésil dès l'âge de 19 ans, etc.) est fabriqué.
  Ce livre raconte de nombreuses anecdotes, inconnues à ce jour, et passe au crible l'œuvre du chanteur, identifiant notamment (chapitre IX, Mémoire particulière, pages 287-317) un grand nombre de plagiats (Joyce Mansour, Claude Roy, Colette Seghers...) et d'emprunts (Hugo, Baudelaire, Apollinaire, Pierre Louÿs, Rimbaud, Léo Ferré...) [présentation en ligne sur le site Les influences.fr] [présentation en ligne sur le site Le Soir.be]
• Pourquoi « la vie liée » ? Journal d'un interprète, Dominique Farigoux, Edilivre, 2018 (ISBN 978-2-414-19431-5)

Articles connexes

• Discographie de Bernard Lavilliers
• Liste des interprètes de Léo Ferré

Émissions de Radio

• « Bernard Lavilliers : est-ce ainsi que l’homme vit ? » [audio], sur Radio France, France Inter, 9 épisodes, juillet 2017 (consulté le 17 août 2022)

Liens externes

• Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • Discogs
  • Last.fm
  • Taratata
  • (en) AllMusic
  • (en) MusicBrainz
  • (en) Muziekweb
  • (en) Songkick
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • Allociné
  • Unifrance
  • (en) IMDb
• Ressource relative au spectacle :
  • Les Archives du spectacle
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • Radio France
• « Bernard Lavilliers - Biographie, discographie et fiche artiste », sur RFI Musique, août 2020 (consulté le 17 août 2022)

Damon Albarn a rencontré Graham Coxon à Colchester, Essex, Angleterre, dans la Stanway Comprehensive School alors qu'ils n'étaient âgés que de 15 ans. Ils ne se sont plus quittés depuis. Graham a rencontré Alex James à Londres (Goldsmith Art School), qui, entre temps a rencontré Dave Rowntree. Et tout ça donne Seymour, qui répète pour la première fois She's So High autour de décembre 1989. Ensuite tout se déroule assez vite, ils signent chez Food Records qui leur demande de changer le nom du groupe. Blur est adopté et She's So High sort fin 1990. L'album Leisure arrive début 1991 et leur deuxième single There's No Other Way atteint une honorable huitième place dans les charts. Le troisième single, Bang, Blur préfère l'oublier.
En 1993, Blur sort son deuxième LP, Modern Life Is Rubbish qui connait un succès assez relatif face à la mode grunge que Blur combat avec véhémence.
Mais la reconnaissance arrive avec Parklife, qui sort en 1994, se posant en leader de la vague Britpop. C'est la consécration: quatre Brit Awards (Best Single: Parklife, Best Video: Parklife, Best Album, et Best British Band), record qui fera date.
En 1995, The Great Escape se trouve au cœur d'une guerre cinglante avec Oasis où les rivaux se battent à coup de déclarations de plus en plus sulfureuses dans la presse. Blur ne sortira pas indemne de cette periode, où le groupe faillit se séparer… Il est encore bien difficile de dire, même aujourd'hui, à qui il faut attribuer la victoire; car si à l'époque, Country House écrasa Roll With It, Wonderwall est encore sur toutes les lèvres. Mais alors qu'Oasis sort son nouvel album, au festival de Reading (08/1999) Beetlebum était scandé par la foule en même temps que Damon, et dont l'intensité surpassait les PA systems (enceintes).
Beetlebum donc sort en premier single de Blur, album éponyme qui marque le renouveau de Blur, qui s'éloigne de la Britpop pour se rapprocher d'un son plus alternatif dans un style un peu plus américain. Les USA adoptent ensuite Song 2 comme nouvel hymne de la jeunesse et Blur reussit enfin à percer le marché outre-Atlantique. Au sortir de la tournée mondiale, le groupe publie le 25 février 1998 Bustin’ + Dronin’, un disque hybride constitué de remixes technoïdes de morceaux du précédent album et d’un condensé live du groupe.
En 1999, 13 continue de transformer Blur, qui, pour la circonstance, a changé de producteur en remplaçant Stephen Street par le très polyvalent William Orbit. Si l'on écoute successivement Bang et Caramel, on peut comprendre ce fantastique renouveau de Blur à qui il aura fallu dix ans pour explorer avec brio plusieurs genres de musique et ce à différents niveaux. On peut donc dire que Blur a su constamment se renouveler, tout en restant fidèle à son public et à ses fans. 13 ne compte que trois singles: Tender, Coffee & TV (chantée par Graham), et No Distance Left To Run.
Et même si Blur a arrêté les tournées « interminables », Damon, Graham, Alex et Dave continuent les concerts, ce qui leur a d'ailleurs valu un « Q Award » pour « Best Live Act In The World ».
Très concerné par l'image, Blur a toujours accordé beaucoup d'importance à l'aspect visuel de son œuvre. Le caractère expérimental du groupe l'a incité à collaborer avec des artistes tels que Damien Hirst, Tomas Vinterburg, Sophie Muller ou Julian Opie, dont les portraits des musiciens ont illustré Blur : The Best Of en 2000.
Tous les membres du groupe ont également pu s'exprimer via d'autres projets : Alex est redevenu une pop star avec Fat Les tandis que Dave s'est consacré à l'animation sur ordinateur. Ils sont également devenus pilotes et soutiennent le projet British Unmanned Probe. Quant à Damon, il a publié « Mali Music », en collaboration avec des musiciens africains, et connu une nouvelle fois le succès avec le groupe virtuel Gorillaz. Quant au guitariste Graham Coxon, il a preferé continuer sa carrière de son côté et former son groupe où il pourra chanter tout à son aise.
En 2003, les musicens ont hâte de tester leur nouvelle configuration (le groupe sera augmenté d'un saxophoniste, d'un percussionniste, de choriste et d'autres surprises). Résultat ? Think Tank, septième album et premier en trio. Il s'impose comme le disque le plus groovy de la carrière du groupe, caractérisé par un éclectisme de rythmes, de textures et de mélodies. En prévision pour 2007 : Un nouveau projet pour Damon Albarn : The Good, The Bad And The Queen (Album éponyme courant janvier 2007).
Le 9 décembre 2008, la nouvelle arrive en France: c'est officiel, Graham Coxon réintègre le groupe qui donnera des concerts en janvier et juillet 2009 à Londres. La réunion, n'est peut-être pas encore définitive, mais la suite semble s'annoncer plutôt bien, Damon Albarn ayant émis l'hypothèse d'autres dates sur le territoire britannique. Qui sait peut-être s'étendront à l'Europe, passant par la France…
Cette réunion est d'autant plus forte qu'elle s'accompagne d'un événement symbolique pour le groupe: Blur a fêté ses 20 ans en 2009.

Formé en 1983, le groupe connait un grand succès dans les années 1980, et reste la référence phare du glam metal de la fin des années 1980, demeurant l'un des plus gros vendeurs de disques de l'époque et l'un des groupes accomplissant les tournées mondiales les plus imposantes, notamment en termes de dates et de rythme. Aussi montre-t-il une plus grande longévité que les autres formation de cette période dite « metal » en mélangeant des éléments de hard, de metal, de roots rock, de blues, de folk, de pop et de country, enrichissant sa musique sur le plan artistique et sonore, et se fabriquant ainsi un succès commercial qui dure de nos jours.

Bon Jovi est l'un des rares groupes à avoir survécu à la vague grunge et alternative du début des années 1990, faisant même en Europe un triomphe aussi important que les représentants du mouvement alternatif et Britpop de l'époque.

Bon Jovi compte plus de 35 millions d'albums vendus aux États-Unis et plus de 130 millions dans le monde. D'après plusieurs articles de presse, le nombre de concerts donnés par le groupe s'élève à 2 700, notamment dans les principales villes d'Asie, d'Europe, d'Australie, du Canada et d'Amérique du Sud, en plus d'un très grand nombre de spectacles aux États-Unis. L'album Slippery When Wet (1986) demeure l'un des disques les plus vendus de l'histoire du rock avec un total de 30 millions d'exemplaires écoulés à travers le monde à l'heure actuelle. Quant au New Jersey Tour 88-90, il s'agit de l'une des plus grandes tournées mondiales de l'histoire du hard rock avec 240 dates données en 17 mois dans 22 pays, dont l'Union soviétique.

Historique

Formation (1975-1983)

Le chanteur principal, Jon Bon Jovi, commence à jouer du piano et de la guitare à l'âge de 13 ans, jouant des chansons d'Elton John. Au même âge, il forme son premier groupe, Raze. À 16 ans, Bon Jovi rencontre David Bryan à l'école Sayreville War Memorial High School, et ils forment ensemble un groupe de RnB, nommé Atlantic City Expressway. Ils jouent dans différents clubs du New Jersey. Encore adolescent, Jon Bon Jovi jouait dans le groupe John Bongiovi and the Wild Ones, tournant dans des clubs du New Jersey et assurant la première partie d'artistes plus connus de la région.

À 17 ans, il obtient un emploi au studio d'enregistrement dont son cousin Tony Bongiovi est le copropriétaire, les Power Station Studios situés à Manhattan. Jon y enregistre de nombreuses démos, dont une produite par Billy Squier, et les envoie à beaucoup de maisons de disques - mais n'arrive pas à se faire entendre. Ces démos sont finalement sorties sous le nom Power Station Years. À 18 ans, Jon Bon Jovi connait sa première expérience d'enregistrement de disque, en chantant la chanson R2-D2 We Wish You a Merry Christmas écrite par Meco Monardo et Daniel Oriolo sur un album de Noël dans l'univers Star Wars, Christmas in the Stars, produit par Tony Bongiovi aux studios Power Station. Ce titre figurera en face B du single What Can You Get a Wookie for Christmas (When he Already Owns A Com).

En 1983, une station de radio locale, WAPP, organise un concours pour découvrir de jeunes talents sans contrat. Jon Bon Jovi engage des musiciens de studio pour jouer le morceau Runaway, écrit en 1980. Le guitariste sur ce morceau est Dave Sabo qui forme plus tard le groupe Skid Row. Après sa victoire à ce concours, le morceau deviendra un tube durant l'été 1983. Les musiciens de studio qui ont aidé Jon Bon Jovi à l'enregistrer étaient connus sous le nom de The All Star Review et comprenaient Tim Pierce (guitare), Roy Bittan (claviers), Frankie LaRocka (batterie), et Hugh McDonald (basse). Jon Bon Jovi avait dès lors impérativement besoin d'un groupe. Les futurs membres s'étaient déjà croisés par le passé, mais ils ne se réuniraient pour de bon que dans le courant du mois de mars 1983. Il fait appel à Dave Bryan (pianiste) qui, à son tour, a fait appel à Alec John Such (bassiste) et Tico Torres (batteur). De nombreux guitaristes se sont succédé jusqu'à l'arrivée de Richie Sambora. Alec John Such insiste auprès de Jon Bon Jovi pour laisser Sambora montrer ce qu'il savait faire et Jon Bon Jovi a adoré.

Tico Torres était aussi un musicien expérimenté ; il avait joué pour Miles Davis, The Marvelettes et Chuck Berry. Au total, il avait déjà joué sur 26 albums de différents artistes. David Bryan était une recrue naturelle. Il suivra les cours de Juilliard School, prestigieuse école de musique de New York. Il avait déjà joué avec Jon dans Atlantic City Expressway.

Débuts (1984-1985)

Bon Jovi est désormais un groupe et, tandis qu'il assure la première partie du groupe Scandal, attire l'attention de plusieurs maisons de disques, notamment PolyGram, avec laquelle il signera un contrat. Avec l'aide d'un nouvel impresario Doc McGhee, le premier album du groupe (album éponyme) est publie le 21 janvier 1984. L'album s'est vendu à plus de 500 000 exemplaires aux États-Unis et est sorti également au Royaume-Uni. Le groupe assure la première partie de ZZ Top au Madison Square Garden (avant même la sortie de son premier album) et de Scorpions et Kiss en Europe. Le groupe tourne un clip pour Runaway, pour une somme de 90 000 dollars. Mais le groupe déteste cordialement cette vidéo, et Jon disait même que la maison de disques avait bousillé sa chanson et que sa vie était « foutue ». Il ne se doutait pas que le clip de She Don't Know Me serait encore pire.

En 1985, le deuxième album de Bon Jovi, 7800° Fahrenheit, est publié, mais les réactions sont mitigées. Le magazine metal britannique Kerrang!, qui avait eu des réactions très positives concernant le premier disque, a qualifié l'album de « pâle imitation du Bon Jovi que nous avons appris à connaître et appris à aimer ». Jon Bon Jovi lui-même a reconnu plus tard que cela aurait pu et aurait dû être un meilleur disque. Mais le groupe n'avait eu que trois semaines pour composer, et la tournée de 1985 était déjà programmée avant même que le groupe n'entre en studio, ce qui ajouta une énorme pression sur les épaules de Bon Jovi. Le groupe ne joue plus aucun extrait de cet album depuis longtemps, mais quelques titres live figurent sur des faces B de singles. Bon Jovi se produit à la première édition du Farm Aid en septembre 1985 et interprète deux titres dont l'inédit Heart of America.

Une vidéo, Breakout, regroupe les premiers clips issus des deux albums est parue à l'issue de la tournée. En 1985, Jon fait signer Cinderella sur Polygram via Derek Shulman. Groupe emmené par le compositeur, guitariste et chanteur Tom Keifer qui possédait un certain following dans la région de Philadelphie. Cinderella touchera les classements avec Night Songs, son premier album, dont le single Nobody's Fool sera certifié disque d'or.

Slippery When Wet (1986-1987)

Le troisième album Slippery When Wet propulse le groupe au rang de superstar partout dans le monde avec des succès tels que You Give Love a Bad Name, Livin' on a Prayer et Wanted Dead or Alive. Bon Jovi affirme que l'album était ainsi nommé en référence au fameux panneau routier américain, mais Bryan donne cette version-ci pour expliquer le titre de l'album : « Pendant l'enregistrement du disque, nous nous retrouvions souvent dans un club de striptease dans lequel d'incroyablement attirantes jeunes femmes se frottaient mutuellement avec de l'eau savonneuse. Elles devenaient ainsi glissantes et personne n'arrivait à les agripper, même si vous en aviez très envie. « Slippery when wet! » a crié l'un d'entre-nous et les autres membres ont su tout de suite que cela devait être le titre du nouvel album ! À l'origine, nous pensions mettre une photo d'une grosse poitrine, une poitrine vraiment énorme sur la pochette mais lorsqu'une association de protection de la moralité (dirigée par la femme de l'ancien Vice-président des États-Unis d'Amérique Al Gore) l'a découvert, nous avons eu des ennuis. Nous avons donc transformé la pochette pour en faire quelque chose de décent. »

Pour s'aider à la composition, Jon et Richie contactent Desmond Child, qui avait travaillé pour Kiss leur permettant de décrocher un hit mondial avec I Was Made For Lovin' You. Recyclant l'une des chansons écrites pour Bonnie Tyler, If You Were a Woman (And I Was a Man), Desmond utilise le refrain pour You Give Love a Bad Name. Le premier morceau écrit dans cette collaboration est Edge of a Broken Heart, mais il terminera sur une face B, créant une polémique auprès des fans qui voient en cette chanson le légitime onzième titre de Slippery When Wet.

L'album se vend à plus de 30 millions d'exemplaires dans le monde depuis sa sortie fin 1986. Durant la tournée qui suit, le chanteur Jon Bon Jovi commence à éprouver des difficultés vocales. Les notes très hautes et l'emploi du temps chargé menaçaient d'endommager sa voix définitivement. Grâce à un entraîneur vocal, il a réussi à surmonter ces difficultés mais tend, depuis, à chanter un ton plus bas. Le point d'orgue de cette tournée est la tête d'affiche des Monsters of Rock à Castle Donington, avec Dio, Cinderella, Anthrax et Metallica. Une fois la tournée achevée à Hawaï, le groupe prend quelques semaines de vacances avant de s'atteler au quatrième album. 70 morceaux seront composés et enregistrés, tandis que 22 seront totalement finalisés. La maison de disques s'oppose au projet de sortir un double album studio, trouvant cela risqué commercialement.

New Jersey (1988-1990)

L'album suivant de Bon Jovi, New Jersey, est publié en 1988 et s'écoulera à plus de 20 millions d'exemplaires dans le monde vers les années 2000. L'album est enregistré peu de temps après la tournée Slippery, car les membres du groupe voulaient prouver qu'ils n'étaient pas les hommes d'un seul succès. Cet album est l'un des favoris parmi les fans et représente certainement la quintessence du groupe, avec des tubes tels que Bad Medicine (premier des classements) Lay Your Hands on Me, Born to Be My Baby, Living in Sin et I'll Be There for You (premier également). Ces cinq singles se classeront tous dans les top 10 américains, ce qui fait de l'album New Jersey le premier album de hard à réussir l'exploit de classer autant de hits issus d'un même disque dans un top 10. Ces titres figurent d'ailleurs toujours en bonne place dans leur tour de chant. Néanmoins, New Jersey faillit marquer la mort du groupe car ils repartent en tournée presque directement après celle, très lourde, du précédent album. Cette vie en permanence sur les routes a presque détruit les liens très forts qui unissaient Jon Bon Jovi et Sambora. Le groupe réussit, malgré tout, à s'en sortir, et entame une pause avant leur effort studio suivant.

C'est Skid Row qui accompagne Bon Jovi sur la route, mais en remerciement de cette faveur, Jon signe un contrat où il gardait la majorité des royalties du groupe. Intéressant, d'autant plus que leur premier album s'écoule à quatre millions d'exemplaires aux États-Unis. Cela déclenchera une guerre par presse interposée entre Jon et Sebastian Bach, le charismatique leadeur de Skid Row. C'est le magazine Kerrang qui lance la rumeur de la division du groupe avant la fin de la tournée, Richie Sambora étant apparemment peu satisfait de son simple statut de bras-droit dans le groupe. De plus, le groupe surfant sur une grosse vague de succès depuis plus de trois ans, le magazine s'interrogeait sur la capacité de Bon Jovi à pulvériser les charts une nouvelle fois, puisque le groupe avait eu quatre chansons premier du Billboard. Il ne s'agissait néanmoins que de rumeurs, même si l'ambiance dans le groupe était très morose. Pour couronner ces années de succès, le groupe souhaitait sortir First Five Live, un double album live avec une face de 33 tours remplie de titres inédits des séances d'enregistrement de New Jersey. Mais le destin en décida autrement.

Albums en solo (1990-1991)

Entre 1990 et 1992, les membres du groupe font leur chemin chacun de son côté afin de se ressourcer avant l'écriture et l'enregistrement de leur album suivant. Ce temps mort est mis à profit pour déterminer comment Bon Jovi allait s'adapter dans le monde de la musique en perpétuelle évolution. Jon Bon Jovi enregistre un album solo, la bande originale du film Young Guns 2 (dans lequel il apparaît pendant moins d'une seconde), plus communément connu sous le nom de Blaze of Glory. Des invités prestigieux font une apparition sur l'album - Elton John, Aldo Nova, Little Richard et Jeff Beck entre autres. Cet album est bien accueilli commercialement, et reçoit des critiques très positives. Le titre éponyme, Blaze of Glory, vaut à Jon une nomination aux Oscars dans la catégorie « meilleure chanson » aux American Music Awards ; bien qu'il n'ait pas remporté le prix ce soir-là, la chanson reçoit un Golden Globe la même année.

Sambora sort également un album solo, en 1991, intitulé Stranger in This Town. Cet album était principalement influencé par le blues et, bien qu'il ait été bien reçu par la critique et les aficionados de la guitare, il ne s'est pas très bien vendu (400 000 exemplaires aux États-Unis). Eric Clapton fait une apparition en tant que guitariste sur la chanson Mr. Bluesman, tandis que David Bryan et Tico Torres jouent sur tout le disque. Ils participeront aussi aux frais de la tournée, les gens de la maison de disques devant le faire ayant été licenciés. David Bryan enregistre la bande originale du film d'horreur The Netherworld. Torres évite le monde de la musique en général. Such fait une chute de moto ; il s'en est sorti avec une blessure à la main, l'obligeant à développer de nouvelles techniques pour jouer de son instrument.

Keep the Faith (1992-1993)

Le groupe fait son grand retour avec l'album Keep the Faith en 1992, produit par Bob Rock qui avait été ingénieur du son sur Slippery When Wet et New Jersey, et qui gagne ses galons de producteur avec Dr. Feelgood de Mötley Crüe et surtout le Black Album de Metallica. L'album faisait transparaître un son et des paroles beaucoup plus matures qu'aucun de leurs efforts passés. Les critiques et les fans sont également positivement surpris et l'album est un succès plus que relatif sur le territoire américain avec la montée en puissance du mouvement grunge, mais fait un triomphe dans le reste du monde, le groupe vendant huit millions de disques supplémentaire et faisant de Keep The Faith la plus grosse vente de l'année 1993 en Europe.

Ses morceaux les plus connus sont les singles Bed of Roses, Keep the Faith et In These Arms. Preuve de l'entrée de Bon Jovi dans l'âge adulte, le titre Dry County et ses dix minutes racontant la vie de personnes visant un Eldorado où l'alcool est interdit. Il s'agit de l'histoire de gens que Jon a rencontré lorsque le groupe faisait son break. Beaucoup de titres enregistrés ont été omis, même si l'un d'entre eux finira en face B : Starting All Over Again. Il est laissé de côté à cause de son refrain haut perché qui aurait fusillé la voix de Jon en concert.

En 1993, le groupe enregistre le très rock and roll Good Guys Don't Always Wear White pour la bande originale du film Deux Cowboys à New York (The Cowboy Way).

Cross Road et These Days (1994-1996)

En 1994, Bon Jovi sort un best-of intitulé Cross Road, qui contenait deux morceaux inédits, Always et Someday I'll Be Saturday Night, ainsi qu'une nouvelle version, mise au goût du jour, de Livin' on a Prayer appelée Prayer '94 et disponible uniquement sur les versions américaines de l'album. La chanson Always est écrite à l'origine pour la bande originale du film Romeo Is Bleeding, mais après avoir vu (et détesté) le film, le groupe décide de refuser de donner la chanson aux producteurs et de la sortir plutôt sur Cross Road, qui aura permis au groupe de trouver une seconde jeunesse, notamment en Europe et en France où le groupe devient plus populaire que jamais. L'album est aussi la plus grosse vente de l'année 1994 au Royaume-Uni, et s'écoule au rythme effarant de un million d'exemplaires par semaine au cours du mois qui suit sa sortie. Peu de temps après Cross Road, Alec John Such décide de quitter le groupe. Aujourd'hui encore, des doutes persistent quant à sa volonté réelle de partir. Bien qu'il n'ait jamais été officiellement remplacé, Hugh McDonald sert de bassiste depuis, aussi bien en studio que pendant les concerts.

Avec l'album These Days, publié en 1995, Bon Jovi développe encore la maturité du son rock déjà présent sur Keep the Faith. L'album, dans son ensemble, est plus sombre que les œuvres précédentes de Bon Jovi, ce qui a un certain impact sur les ventes et ce, malgré les excellentes critiques, vantant justement les qualités artistiques de l'album, ainsi que ses sonorités, très éloignées du Bon Jovi habituel. Seul This Ain't a Love Song réussit à se hisser dans les hauteurs du classement américain et l'album se vend un million d'exemplaires aux États-Unis - ce qui peut être considéré comme un échec commercial sur ce territoire - pour un total de sept millions dans le reste du monde, ce qui fait de These Days un album populaire, notamment en Europe et en Asie. La tournée mondiale de 140 dates dans 42 pays qui suivit - avec des premières parties pour les Rolling Stones à Paris - est un succès retentissant. C'est au cours de cette tournée que le groupe joue trois soirs de suite à guichets fermés au Wembley Stadium en 1995. Ces concerts sont particulièrement mémorables car c'est ce même week-end que l'album a atteint la première place au classement britannique, et ce durant 4 semaines consécutives. Ces dates ont été filmées et peuvent être vues sur le DVD intitulé Live from London.

Pause (1997-1999)

En 1996, Bon Jovi s'établit comme étant un groupe majeur dans l'industrie musicale, ayant eu une longévité supérieure (et plus de succès) que la plupart de ses pairs du glam rock des années 1980. À la fin de la tournée These Days, le groupe décide une nouvelle fois de faire une pause. Tico profite de cette occasion pour poursuivre sa passion pour la peinture, David pour écrire et composer plusieurs comédies musicales. Richie, lui, utilise ce temps mort pour écrire et enregistrer son second album solo, intitulé Undiscovered Soul, et publié en 1998.

Jon reste quelque temps loin du monde de la musique et se tourne vers Hollywood. Il tient le rôle principal dans les films Little City et The Leading Man et des rôles secondaires dans Moonlight and Valentino, L'Héritage de Malcolm (Homegrown) et U-571 entre autres. Entre les prises de ces films, Jon écrit ce qui serait son deuxième album solo, Destination Anywhere, publié en 1997. L'album reçoit des critiques très positives et est un succès un peu partout en Europe. Un court métrage du même nom est filmé à l'occasion de la sortie de l'album, basé entièrement sur les chansons du disque, les acteurs de ce film comprenaient, entre autres, Jon Bon Jovi, Demi Moore, Kevin Bacon et Whoopi Goldberg. Dave Stewart d'Eurythmics joue de la guitare sur cet album. Toutefois, ce disque n'atteint pas les scores de vente faramineux de Bon Jovi, le groupe, malgré quatre singles.

Trouvant le temps long pendant que Richie Sambora est en tournée pour son album Undiscovered Soul, Jon enregistre un troisième album solo. Comportant douze titres, il est diffusé lors d'une « listening party » en août 1998, mais resta à l'état de projet. Malgré tout, certaines chansons furent utilisées pour Bon Jovi : Just Older, I Got the Girl et Save the World finirent sur Crush, tandis que plusieurs autres chansons devinrent des faces B, ou atterrirent sur le box set. En 1998, néanmoins, Jon donne signe de vie en apparaissant sur la bande originale du film Armageddon avec la chanson Mister Big Time, coécrite avec Aldo Nova. À la base, il souhaitait proposer la ballade Save the World, mais Aerosmith ayant soumis I Don't Want to Miss a Thing, Jon préfère proposer une chanson rock.

Bon Jovi se réunit en 1999 pour enregistrer la chanson Real Life pour la bande originale du film EdTV. David Bryan, qui s'était blessé à la main au cours d'un accident de bricolage, n'a pas pu participer au tournage du clip, le groupe utilise donc une silhouette en carton de lui pour tenir son rôle. Cette chanson était initialement prévue pour figurer sur le troisième album solo de Jon.

Crush et Bounce (2000-2004)

Après une pause de presque trois ans, durant lesquels plusieurs membres travaillent sur des projets indépendants, Bon Jovi se réunit en 1999 pour commencer à travailler sur leur prochain album. Crush, publié en 2000, et qui est un énorme succès partout dans le monde, notamment grâce au single It's My Life, écrit en collaboration avec le fameux producteur suédois Max Martin. Cet album devient rapidement la plus grande réussite commerciale du groupe depuis Keep the Faith, et permet à un public plus jeune de découvrir Bon Jovi. L'album Crush est certifié double-disque de platine La tournée, qui débute cet été-là, comprend à l'origine une soixantaine de dates mais, à cause de la nouvelle popularité du groupe, est étendue jusqu'à l'été 2001. Pendant cette tournée, un album reprenant quelques-unes de leurs performances sur scène de l'ensemble de leur carrière est publié sous le titre de One Wild Night Live 1985-2001. Le groupe est très déçu de ne pouvoir réaliser un double-album couvrant bien mieux toute leur carrière, mais Universal met son veto, arguant qu'un live, qui plus est double, ne se vend jamais bien.

À la fin de 2002, Bounce est publié en magasin. Bien qu'il n'ait pas connu le succès de son prédécesseur, l'album produit deux singles qui ont bien fonctionné : Everyday et Misunderstood. Orienté guitare, ce disque subit l'influence des attaques du 11 septembre 2001 sur trois titres, tandis qu'il propose de nouveaux espaces sonores avec The Distance et Joey. Au début de 2003, un album intitulé Red CD, ou Target CD, est publié dans la chaine de magasins Target : il contient plusieurs inédits des sessions de Bounce, une version acoustique de Everyday et une version de Just Older. Après la tournée qui suit et qui se termine en août 2003, Bon Jovi s'embarque dans un projet ambitieux. Censé au départ produire un album acoustique, le groupe finit par réécrire, réenregistrer et réinventer douze de leurs plus grands succès pour les montrer sous un jour nouveau. This Left Feels Right est sorti en novembre 2003, le titre fait référence au changement de direction pris par le groupe dans l'enregistrement de ces chansons. L'album devait contenir deux nouvelles chansons, Thief of Hearts et Last Man Standing, mais la maison de disques s'y oppose.

L'année suivante, en 2004, le groupe sort un coffret intitulé 100,000,000 Bon Jovi Fans Can't Be Wrong, dont le titre est un hommage à l'album d'Elvis Presley 50,000,000 Elvis Fans Can't Be Wrong. La boîte comprenait quatre CD sur lesquels se trouvaient 38 titres inédits et 12 morceaux rares, ainsi qu'un DVD. Cette sortie commémorait les 100 millions d'albums vendus et le vingtième anniversaire de la sortie du premier disque du groupe, en 1984. On ne compte malgré tout que trois chansons des années 1980, ce qui fait enrager nombre de fans... Néanmoins, ce coffret renferme de nombreuses perles et plusieurs titres sont devenus inoubliables comme The Radio Saved My Life Tonight que le groupe joue fréquemment en concert. Ce coffret renferme également une version au piano de If I Can't Have Your Love, chanson composée par Richie Sambora pour Stranger in this Town et connue en version électrique sur le bootleg Makin' Magic. Il y a aussi une chanson de David Bryan, Memphis Lives In Me et Only In My Dreams chantée par Tico Torres. C'est la troisième fois que le batteur tient le micro dans le groupe après la reprise de Waltzing Mathilda sur le single de Dry County (1993) et sa version de Crazy sur le CD bonus de These Days. Malgré ses choix de chansons, ce coffret est une jolie réussite, même si d'autres chansons des années 1980 auraient été bienvenues.

Have a Nice Day (2005-2006)

Bon Jovi participe au Live 8 le 2 juillet 2005. À cette occasion, une nouvelle chanson est jouée, Have a Nice Day, aux côtés des classiques, Livin' on a Prayer et It's My Life. Have a Nice Day sort le 19 septembre 2005 en Europe, et il est suivi par une tournée internationale qui débute en novembre 2005. L'album se hisse dans les hauteurs du classement un peu partout dans le monde, arrivant même en deuxième position aux États-Unis durant la première semaine de vente, atteignant plus de 202 000 albums vendus durant cette période.

Have a Nice Day est le premier single du nouvel album, et est diffusé sur les radios du monde entier à partir du 18 juillet 2005. Le deuxième single est Who Says You Can't Go Home. Il y a aussi une version country de cette chanson, chantée en compagnie de la chanteuse Jennifer Nettles, qui sera envoyée aux radios et permettra au groupe d'être la première formation de rock 'n' roll à se hisser à la première place du classement country américain. C'est un fait unique du Billboard. (De plus, cette version n'est apparue qu'en bonus sur l'édition américaine de l'album et est uniquement distribuée promotionnellement aux radios.) Le troisième single de l'album s'intitule Welcome to Wherever You Are. Aux États-Unis, un maxi live nommé Live from the Have a Nice Day Tour est publié le 6 février 2006 dans la chaine de magasins Walmart. Il comprend quatre titres du dernier album (dont l'inattendu Complicated), ainsi que deux titres de Slippery When Wet. En 2005, il reçoit le Chopard Diamond Award.

Peu après la sortie de l'album, le groupe entame une tournée mondiale. Celle-ci, plus courte que les précédentes, a amené le groupe sur de nombreuses scènes et dans de nombreux stades à travers la planète. À l'origine, le groupe devait être le premier à jouer dans le nouveau Wembley Stadium, malheureusement, la compagnie responsable des travaux annonce que le stade ne serait pas prêt avant 2007. Le concert est, dès lors, déplacé au Milton Keynes National Bowl en gardant les mêmes dates. Ils sont par contre le premier groupe à jouer au Stade de Suisse, à Berne, le 31 mai 2006. Après les dates au Japon et en Europe, le groupe est retourné aux États-Unis pour quelques concerts, entre autres trois shows dans leur New Jersey natal, au Giants Stadium, ainsi qu'à Boston, Pittsburgh, et Chicago. En novembre 2006, le groupe est intronisé au UK Rock and Roll Hall of Fame, rejoignant ainsi dans le temple du rock d'autres artistes légendaires, tels que les Beatles, les Rolling Stones, Led Zeppelin, Bob Dylan, Pink Floyd ou encore U2.

Lost Highway (2007-2008)

En juin 2007 sort Lost Highway, dixième album studio du groupe. Cet album se veut plus ancré de la tradition des songwriters américains, tels que Bruce Springsteen. Quelques influences blues et country sortent parfois du lot, et en font un album plus américain, moins moderne que Have a Nice Day. Plusieurs auteurs extérieurs travaillent avec John Bon Jovi et Richie Sambora sur ces chansons. Toutefois, l'annonce première du groupe de réaliser un album country est fausse : il s'agit d'un véritable disque de Bon Jovi, avec quelques réminiscences cadiennes. L'album devient numéro 1 aux États-Unis la semaine de sa sortie, ce qui n'était pas arrivé depuis 1988 et New Jersey.

Le groupe est soumis aux polémiques en même temps à la suite d'une apparition calamiteuse à l'émission MTV Unplugged où le guitariste Richie Sambora, passablement ivre, se voit incapable de jouer correctement. Perturbé par le décès très récent de son père, de son divorce houleux, Sambora s'est retrouvé confronté à un problème d'addiction. Il est allé de lui-même dans une clinique de désintoxication une semaine, laissant le groupe œuvrer seul avec un guitariste de l'orchestre accompagnant Bon Jovi. Malgré la sortie mondiale du single (You Want to) Make a Memory et de trois autres titres en Allemagne (Lost Highway, Whole Lot of Leaving et Till We Ain't Strangers Anymore, duo avec Leann Rimes), l'album se vend mollement, même s'il dépasse officiellement les deux millions de copies.

Fin 2007, Richie Sambora laisse entendre qu'une seconde compilation verrait le jour en 2008. Annoncée depuis plusieurs années pour succéder à Crossroad, elle est régulièrement repoussée. En avril 2008 sort Lost Highway : The Concert, le CD bande-son du DVD sorti à la fin de l'année précédente et qui reprend l'intégralité de Lost Highway. Néanmoins, ce disque ne peut et ne doit pas être considéré comme le deuxième album live du groupe, du fait du caractère quasi-confidentiel de son existence. À l'été 2008, à la fin du Lost Highway Tour, l'heure est au bilan : Bon Jovi a exécuté la tournée la plus lucrative et la plus affluente de l'année avec plus de 210 millions de dollars de recettes et plus de 2.5 millions de spectateurs.

The Circle et Greatest Hits (2009-2012)

Le 18 août 2009 est diffusé pour la première fois We Weren't Born to Follow, le premier single extrait de l'album The Circle qui sort le 10 novembre. Un autre extrait du disque avait été joué de manière acoustique au début du mois lors du concert Work for the Working Man. Un second single, Superman Tonight, est publié en janvier 2010.

En 2010, Bon Jovi entame son Circle Tour. Il commence par les États-Unis et le Canada (février-avril 2010). Le groupe inaugure le nouveau New Meadowlands Stadium qui remplace le mythique Giants Stadium de East Rutherford le 26, 27 et 29 mai 2010. Puis il s'installera à l'O2 Arena de Londres pour 10 concerts en juin 2010, et après neuf ans d'absence en France, le groupe passera à Paris-Bercy le 16 juin 2010. Et le groupe continue en juillet 2010 par une tournée des stades américains. Les premières dates à Honolulu en février 2010 voient de grosses surprises : Bon Jovi rejoue des titres des deux premiers albums (Roulette, Shot through the Heart et Get Ready pour le premier album, Tokyo Road et Only Lonely pour 7800° Fahrenheit), ce qui n'était pas arrivé depuis plus de vingt ans, hormis pour Tokyo Road qui est joué très très sporadiquement. Jon Bon Jovi souhaitait ne plus se cantonner à chanter uniquement les grands classiques que le public attend, mais comme il n'aime pas spécialement les deux premiers albums du groupe (impression partagée par le guitariste Richie Sambora qui trouve le second très médiocre), voir Bon Jovi se frotter à ce vieux répertoire est surprenant.

Début février 2010, Richie Sambora annonce la parution d'une compilation dans le courant de l'année, pouvant sortir plus ou moins tard selon le succès rencontré par The Circle. Il précise que trois nouvelles chansons figureraient sur cette compilation dont l'une, écrite par Jon Bon Jovi, aurait été inspirée par Barack Obama. En mai 2010, dix albums du groupe sont ressortis avec des bonus live, estampillés tour edition. Le 27 août 2010 est sorti What Do You Got ?, le single de la compilation Greatest Hits à paraître le 2 novembre 2010. Le 22 octobre, l'une des nouvelles chansons de la compilation est diffusée gratuitement sur le web : No Apologies. En novembre 2010, le groupe se produit à Madrid et, à la suite d'une invitation du leadeur Jon Bon Jovi, Rihanna chante sur scène avec eux la chanson culte Livin' on a Prayer celui-ci déclarant plus tard qu'elle était une grande fan du groupe. Le 10 novembre 2010, dans le cadre de la tournée The Circle Tour, ils donnent un concert au Best Buy Theater de New York qui est retransmis en direct sur YouTube. À la fin de 2010, le Circle Tour de Bon Jovi devient, pour la seconde fois consécutive en l'espace de trois ans, la tournée la plus lucrative et populaire de l'année. La tournée se poursuit en 2011 mais en avril, le guitariste Richie Sambora entre en cure de désintoxication pour une addiction à l'alcool^{[source insuffisante]}.

Au cours de l'année 2012, Richie Sambora rentre en studio pour enregistrer son troisième album solo Aftermath of the Lowdown, successeur de Undiscovered Soul, sorti en 1998. Il sortira le 17 septembre 2012.

What About Now et départ de Richie Sambora (2013-2014)

What About Now est publié en mars 2013, et une tournée mondiale, le Because We Can Tour, est annoncée à la fin de 2012 pour l'année. Cette tournée est passée sur tous les continents et est devenue l'une des tournées les plus enrichissantes de l'année. Le groupe ne passe pas en France. Mais malgré le succès de la tournée, les retours de l'album sont mitigés, voir négatifs, et cet album devient la pire vente du groupe (s'écoulant à 1,5 million d'exemplaires dans le monde). De plus, le 2 avril 2013, lors de la tournée, Richie Sambora quitte précipitamment le groupe, pour des raisons « personnelles ». Le groupe appelle donc Phil X en remplacement pour la tournée. Certaines rumeurs affirment que Richie Sambora aurait été congédié du groupe, mais Jon Bon Jovi et Richie Sambora démentent cette explication. En juin 2013, le groupe apparait au Stade de Suisse, à Berne, devant 30 000 spectateurs.

2014 marque le 30^e anniversaire du groupe, une réédition spéciale de l'album New Jersey est publié avec des démos inédites. Mais malheureusement, en novembre, Jon Bon Jovi confirme que Richie Sambora quitte officiellement le groupe. Ce dernier affirme qu'un retour est possible et le chanteur confirme en déclarant que la porte lui est grande ouverte.

This House is Not for Sale (depuis 2015)

Malgré cette séparation, le désormais trio (par l'intermédiaire de JBJ) annonce la sortie d'un nouvel album en 2016, suivi d'une tournée mondiale. Mais la sortie de cet album sera précédé par un album spécialement conçu pour les fans, contenant des sessions d'enregistrements provenant des albums précédents. Phil X et McDonald deviennent membres officiels du groupe pendant la même année. Le 26 mai 2016, Bon Jovi annonce que son nouvel album est prêt et qu'il s'appellera This House is Not for Sale. Prévu pour le 21 octobre, cet album est enregistré dans le même studio que la chanson Runaway du groupe, en 1983. Le premier single de l'album, This House is Not for Sale, est publié le 12 août 2016.

Le 2 octobre 2020 sort 2020, le quinzième album studio du groupe. Enregistré au Ocean Way Recording Studios de Nashville et initialement prévu pour le 15 mai 2020, il fut repoussé en raison de la pandémie de COVID-19.

Style musical

Le style musical de Bon Jovi se caractérise par sa très grande diversité. Tout au long de son histoire, le groupe s'illustre aussi bien dans le hard rock^,,, que dans le glam metal^,,, mais aussi dans l'arena rock^,,, et également le pop rock^,.

Les quatre premiers albums du groupe mélangent les genres glam metal et hard rock. Leurs deux premiers albums utilisent un mélange très pur de glam metal et de hard rock, tandis que leurs albums suivants, Slippery When Wet et New Jersey, présente un mélange plus commercialisé de glam metal et de hard rock afin de pouvoir toucher un public toujours plus nombreux. Leur cinquième album studio, Keep the Faith, et leur sixième, These Days, comprennent un son hard rock plus mature. Crush se caractérise par le fait d'être « assez loin dans le pop/rock pour avoir une chance d'être diffusé », alors que Bounce est décrit comme du « heavy and serious rock ». Have a Nice Day est également caractérisée comme étant plus proche du hard rock que Crush.

Le groupe modifie radicalement leur musique sur leur album suivant, Lost Highway, en mélangeant les influences de la musique country et du rock country, une sonorité particulière que Jon Bon Jovi décrit comme étant « influencée par Nashville. » Bon Jovi est revenu à un son de rock plus typique sur The Circle, qui est décrit par AllMusic comme « conjuré par des riffs de guitares retardés, des notes de claviers chatoyantes, et des rythmes spacieux. »

Certaines des influences du groupe sont Bruce Springsteen, The Rolling Stones, Aerosmith, Van Halen, The Beatles, Tom Petty et The Animals. Richie Sambora déclare, quant à lui, que ses principales sources d'inspiration proviennent des guitaristes Jimmy Page, Eric Clapton, Johnny Winter, Jimi Hendrix, Joe Perry et du blues en général.

Membres

Membres actuels

• Jon Bon Jovi - chant, guitare acoustique, guitare rythmique, piano, harmonica, maracas (depuis 1983)
• David Bryan - claviers, piano, pedal steel guitar, chœurs, chant (occasionnellement) (depuis 1983)
• Tico Torres - batterie, percussions, chœurs, chant (occasionnellement) (depuis 1983)
• Hugh McDonald - basse, chœurs (depuis 2016, non officiel 1994-2016)
• Phil X - guitare solo, guitare rythmique, guitare acoustique, talkbox, chœurs, chant (occasionnellement) (depuis 2016; remplacements en 2011 et 2013; membre de tournée de 2013-2016)

Anciens membres

• Richie Sambora - guitare solo, guitare rythmique, guitare acoustique, talkbox, chœurs, chant (1983-2013)
• Alec John Such - basse, chœurs (1983-1994, concert unique en 2001)
• Dave Sabo - guitare solo, chœurs (1983)

Membres actuels de tournée

• Everett Bradley - percussions, chœurs (2003-2004; depuis 2016)
• John Shanks - guitare solo, guitare rythmique, chœurs (depuis 2015)

Anciens membres de tournée

• Bobby Bandiera - guitare solo, guitare rythmique, chœurs (2005-2015)
• Lorenza Ponce - violon, alto, violoncelle, chœurs (2005-2009, 2015)
• Jeff Kazee - orgue Hammond, claviers, chœurs (2005-2006, concert unique en 2010)
• Kurt Johnston - pedal steel guitar, banjo, mandoline, dobro, chœurs (2006-2008)
• Rich Scanella - batterie, chœurs (2013)
• Matt O'Ree - guitare acoustique, guitare rythmique, chœurs (2015)

Chronologie

Discographie

• 1984 : Bon Jovi
• 1985 : 7800° Fahrenheit
• 1986 : Slippery When Wet
• 1988 : New Jersey
• 1992 : Keep the Faith
• 1994 : Cross Road
• 1995 : These Days
• 1997 : Destination Anywhere
• 2000 : Crush
• 2002 : Bounce
• 2005 : Have a Nice Day
• 2007 : Lost Highway
• 2009 : The Circle
• 2013 : What About Now
• 2016 : This House Is Not for Sale
• 2020 : Bon Jovi: 2020

Vidéographie

Albums vidéo

Concerts

Reportages et documentaires

• 1990 : Access All Areas: A Rock & Roll Odyssey (reportage de la tournée mondiale de l'album New Jersey). Disponible en VHS et laserdisc. Depuis fin 2010, il existe une version DVD dans le coffret japonais Universal UICY-91555 sous-titré Special editions, qui regroupe les 11 albums de Bon Jovi de 1984 à 2009 en SHM-CD avec des bonus live sur chaque album. Contient quelques morceaux live, mais seules les reprises de Seven Days et Shooting Star (live à Londres) sont en version complète.
• 2009 : Bon Jovi: When We Were Beautiful
• 2002 : Round and Round
• 2010 : Greatest Hits DVD

?uvres rares

Heart of America est une chanson de Bon Jovi interprétée une seule fois en concert, lors du festival Farm Aid à Champaign, Illinois, le 22 septembre 1985. Ce festival a pour vocation de lever des fonds pour les familles fermières aux États-Unis. L'ensemble est mis en place par Willie Nelson, John Mellencamp et Neil Young. Bon Jovi se contente de jouer très tôt, à dix heures du matin, en interprétant leur tube Runaway ainsi qu'une nouvelle chanson dont les bases remontaient à quelque temps. Lorsque le groupe est convié à apparaître au Farm Aid, la structure embryonnaire est développée par Jon Bon Jovi et Richie Sambora afin de fignoler la chanson pour proposer quelque chose en adéquation avec le festival.

Heart of America est ensuite enregistré au Summit Sound Studios dans le Wisconsin et dans le studio de Ted Nugent à Ann Arbor, dans le Michigan. Malgré tout, cette chanson inédite n'est jamais commercialisée. Il existe toutefois un document vidéo, exploité par une chaîne de télé probablement, de cette prestation au Farm Aid.

Projets en solo

Jon Bon Jovi

Richie Sambora

David Bryan

Nominations et Récompenses

Le groupe a été intronisé au UK Rock and Roll Hall of Fame en 2005 puis au célèbre Rock and Roll Hall of Fame en 2018, rejoignant ainsi d'autres légendes du genre musical.

American Music Awards

Billboard Music Awards

Billboard Touring Awards

Brit Awards

CMT Music Awards

Echo Awards

Grammy Awards

Helpmann Awards

Japan Gold Disc Awards

Prix Juno

Premios Oye!

MTV Europe Music Awards

MTV Video Music Awards

My VH1 Music Awards

Nickelodeon Kids' Choice Awards

World Music Awards

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• (fr) Site non officiel consacré à Bon Jovi

• Ressources relatives à la musique :
  • Discogs
  • Last.fm
  • SoundCloud
  • Taratata
  • (en) AllMusic
  • (en) Billboard
  • (de) Munzinger Pop
  • (en) MusicBrainz
  • (en) Muziekweb
  • (en) Rate Your Music
  • (en) Rolling Stone
  • (en) Songkick
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • (en) American Film Institute
  • (en) British Film Institute
  • (pl) Filmweb.pl
  • (en) IMDb
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • (en) Metacritic

Biographie

Enfance

Bryan Guy Adams voit le jour le 5 novembre 1959 à Kingston au Canada de parents originaires d'Angleterre et qui ont émigré dans les années 1950. Il voyage beaucoup durant son enfance, d'Europe au Moyen-Orient, en suivant son père, dans l’armée canadienne puis diplomate. Il vit ainsi en Autriche, au Portugal et en Israël. Il a seulement 17 ans quand il tente sa chance auprès du label A&M en envoyant une démo. Il signe son premier contrat dans la foulée. Il commence sa carrière en 1976 avec le groupe de glam rock canadien Sweeney Todd qu'il quitte après le succès de leur second album If Wishes were horses afin de se lancer dans une carrière solo. Il a un frère plus jeune nommé Bruce.

Années 1980 et 1990

Ses deux premiers albums sortis en 1980 et 1981 ne connaissent qu'un succès d'estime, en 1982 il compose deux chansons (Rock n' Roll Hell et War Machine) avec Gene Simmons et Jim Vallance pour Kiss sur l'album Creatures of the Night, mais dès 1983 et son album Cuts Like a Knife, Bryan Adams parvient à lancer sa carrière à un niveau international. Il poursuit sur cette lancée l'année suivante (1984) avec son album référence : Reckless dont cinq clips mettront en scène la jeune comédienne britannique Lysette Anthony. Quatre hits sur Cuts Like a Knife, cinq sur Reckless dont Summer of '69, Heaven resté quatre semaines numéro 1 aux États-Unis, Run to You et le duo avec Tina Turner It's Only Love. Bryan Adams s'impose dès lors comme un faiseur de hits. Il est à noter l'importance de son producteur Bob Clearmountain.

En 1987, il sort l'album Into the Fire, après le succès de son précédent opus, il entame une tournée mondiale pour jouer dans des stades mythiques comme Wembley et bien d'autres. À la fin de cette aventure sort l'album Live! Live! Live! (en) enregistré au festival rock de Werchter en Belgique.

En 1988, Phil Collins est le batteur pour la chanson Somebody durant le concert Nelson Mandela Birthday au Wembley Stadium.

En 1990, il jouera avec Roger Waters à Berlin pour le concert The Wall durant le morceau Young Lust.

Il fait une pause de deux ans, pour revenir en 1991 avec l'album qui fait de lui une star planétaire, Waking Up the Neighbours. Ce disque est sa plus grosse vente, mais avant tout Bryan Adams commence à jouer un autre genre de musique, un peu plus mature, des textes moins adolescents. De cet album sont extraits pas moins de six singles, Can't Stop This Thing We Started , Thought I'd Died And Gone To Heaven , Do I Have To Say The Words? et (Everything I Do) I Do It for You qui deviennent de grands tubes. Bryan Adams devient connu dans le monde entier au moment où il a déjà presque dix ans de carrière derrière lui. La France le découvre principalement à cette époque, pour beaucoup grâce au single (Everything I Do) I Do It For You, présent sur la bande originale du film Robin des Bois : Prince des voleurs réalisé par Kevin Reynolds, avec Kevin Costner et Alan Rickman, sorti à la même époque.

Entre les clips, les apparitions télévisées et les cérémonies de remise de prix, le chanteur profite de sa notoriété pour sortir un best of en 1993 So Far So Good, qui lui sert à faire connaitre ses anciens succès à un nouveau public. Dans cette compilation on retrouve aussi un inédit Please Forgive Me qui surfe sur les influences de l'album Waking Up the Neighbours. C'est immédiatement un succès planétaire, Bryan Adams devient un faiseur de tubes. Il part en tournée pendant deux ans, entre l'Amérique, l'Asie, l'Australie et surtout l'Europe.

Compositeur reconnu, il a écrit des hits pour des artistes comme Joe Cocker (When the Night Comes en 1988). Il interprète en français la chanson Je suis là, me voilà et d'autres musiques du dessin animé de DreamWorks Spirit, l'étalon des plaines en 2002.

Autres activités

Bryan Adams voue également une certaine passion à la photographie. Depuis ses débuts, il photographie les coulisses de ses concerts avant de choisir la pochette de ses prochains CD. Il a consacré plus de temps à cette passion ces dernières années, faisant entre autres des portraits de Hillary Clinton ou de Pink. Un recueil de ses plus beaux clichés paraît le 15 janvier 2007 sous la forme d'un livre intitulé Bryan Adams. Pour Zoo Magazine (édition été 2014), Bryan a l'honneur de photographier la star et égérie Chanel : Vanessa Paradis . Ses photos font également l'objet d'expositions, notamment au Musée national des beaux-arts du Québec en 2015. En octobre 2015, il participe à une campagne de publicité du réseau mobile suisse Swisscom en tant que photographe, via une application dédiée lui permettant de prendre des photos à distance avec le smartphone de clients volontaires^,.

Bryan Adams fait une apparition éclair dans le film de Buddy Van Horn, Pink Cadillac (1988), avec Clint Eastwood. Il apparaît aussi dans un rôle tragi-comique du film d'Andreï Kontchalovski, La Maison de fous, primé en 2002 au festival de Venise. Il participe aussi au doublage des films d'animation L'Irrésistible North et Jock of the Bushveld.

Outre sa passion pour le rock et la photographie, il s'est investi dans plusieurs autres causes, notamment la protection de l'environnement et la lutte contre le cancer du sein. Il a également participé à des campagnes en faveur des animaux avec l'association PETA. Considérant que les animaux ne méritent pas d'être tués pour le plaisir gustatif, il est lui-même végane depuis 1995 et incite le public à faire de même.

Retour dans les années 2000

Pour 2008, Bryan Adams prépare une tournée et sort le 23 mars 2008 un nouvel album, 11 (« Eleven » pour les anglophones).

Le 21 mars 2011, il reçoit une étoile à son nom sur le fameux Walk of Fame à Hollywood. Le 22 avril 2011, il devient papa d'une petite fille Mirabella Bunny Adams avec sa compagne Alicia Grimaldi. Il annonce via son Facebook officiel, la naissance, le 14 février 2013, de sa seconde fille, Lula Rosylea.

Il vit actuellement à Londres et à Paris.

Discographie

Albums studio

Avec le groupe Sweeney Todd

• 1975 : Sweeney Todd
• 1977 : If Wishes were horses

En solo

• 1980 : Bryan Adams
• 1981 : You Want It You Got It
• 1983 : Cuts Like A Knife
• 1984 : Reckless
• 1987 : Into The Fire
• 1991 : Waking Up the Neighbours
• 1996 : 18 til I Die
• 1998 : On a Day Like Today
• 2002 : Spirit, l'étalon des plaines (Bande originale du film)
• 2004 : Room Service
• 2008 : 11
• 2014 : Tracks of My Years (Album de reprises + un inédit "She Knows Me")
• 2015 : Get Up
• 2019 : Shine A Light
• 2022 : So Happy It Hurts

Compilations / Live

• 1989 : Live! Live! Live! (Concert enregistré au festival Rock Werchter en Belgique, le 3 juillet 1988)
• 1993 : So Far So Good (Compilation)
• 1996 : Wembley 1996 Live (Concert enregistré au Wembley Stadium, le 27 juillet 1996)
• 1997 : MTV Unplugged (Concert acoustique enregistré au Hammerstein Ballroom, le 26 septembre 1997)
• 1999 : The Best Of Me (Compilation)
• 2005 : Anthology (Compilation)
• 2010 : Bare Bones (Concert acoustique 2010)
• 2017 : Ultimate (Compilation)

Vidéographie

• 1996 : Wembley 1996 Live
• 1997 : MTV Unplugged
• 2000 : Live at the Budokan
• 2000 : Live at Slane Castle Ireland
• 2002 : Spirit, l'étalon des plaines
• 2005 : Live In Lisbon
• 2011 : Bare Bones live at Sydney Opera House

Filmographie

Acteur

• 1994 : L'Irrésistible North (North) de Rob Reiner : Robert l'oie (voix)
• 2002 : La Maison de fous (Dom durakov) d'Andreï Kontchalovski : lui-même (dans l'imagination de Janna, jeune femme schizophrène qui se croit mariée à lui)
• 2011 : Jock of the Bushveld de Duncan MacNeillie : Jock (voix)

Musiques de films

• 1991 : Robin des Bois : Prince des voleurs, réalisé par Kevin Reynolds, avec Kevin Costner, Christian Slater, Morgan Freeman, Alan Rickman.
• 1993 : Les Trois Mousquetaires : le titre All for Love chanté avec Sting & Rod Stewart. Un succès présent dans les albums The best of Me (1999) et Anthology (2005) ainsi que dans les Best Of respectif, de Sting et Rod Stewart.
• 1994 : Don Juan DeMarco : la bande originale avec Have You Ever Really Loved a Woman? (album 18 til die).
• 1996 : Jack de Francis Ford Coppola avec Robin Williams : le titre Star (album 18 til I die).
• 2002 : Spirit, l'étalon des plaines : la bande originale avec Hans Zimmer. Plusieurs tubes sortiront de cet album, notamment, Here I Am et Don't Let Go avec Sarah Mclachlan.
• 2005 : Zig Zag, l'étalon zébré de Frederik Du Chau : la chanson It ain't over yet.
• 2005 : Appelez-moi Kubrick de Brian W. Cook avec John Malkovich : les chansons I'm not the man you think I am et It's all about me.
• 2006 : Coast Guards de Andrew Davis avec Kevin Costner et Ashton Kutcher : la bande originale Never let go.
• 2006 : Cashback : la chanson Mysterious Ways.
• 2011 : Jock of the Bushveld de Duncan MacNeillie : les chansons By your side et Way oh!
• 2013 : Il était une fois les Boys de Louis Saïa avec Marc Messier et Rémy Girard : la chanson Tous Ensemble (version francophone de All For Love) avec Garou et Roch Voisine.

Bryan Adams dans la culture

Références à Bryan Adams

• Le nom de Bryan Adams est mentionné dans le film South Park, ainsi que dans l'épisode 3 de la saison 15 Pudding royal.
• Dans le film Lucky Them, le personnage de Charlie fait référence à la pochette de l'album Cuts Like a Knife.
• Dans la série télévisée How I Met Your Mother, le personnage de Robin Scherbatsky, une Canadienne interprétée par Cobie Smulders (l'actrice étant également canadienne), fait plusieurs fois référence à Bryan Adams comme une de ses idoles.

Utilisations de ses chansons (versions originales ou reprises)

• La chanson de Bryan Adams (Everything I Do) I Do It for You est chantée dans son intégralité dans un épisode de la série américaine Les Griffin.
• Dans le film Kelly & Cal (en), la première chanson sur laquelle dansent les protagonistes, dans le gymnase, est (Everything I Do) I Do It for You.
• La chanson Tonight in Babylon est utilisée en générique de fin du film La Crypte du dragon sorti en 2013.
• Dans le film d'animation Spirit, l'étalon des plaines (2002), la chanson Here I Am est jouée dans sa version française Me voilà.
• La chanson Merry Christmas clôt le téléfilm canadien Ce Noël qui a changé ma vie.

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • Discogs
  • Last.fm
  • SoundCloud
  • Taratata
  • (en) Billboard
  • (en) Carnegie Hall
  • (en) Grove Music Online
  • (de) Munzinger Pop
  • (en) MusicBrainz
  • (en) Muziekweb
  • (en) Rate Your Music
  • (en) Rolling Stone
  • (en) Songkick
• Ressources relatives aux beaux-arts :
  • Bridgeman Art Library
  • (de + en) Artists of the World Online
  • (en) National Portrait Gallery
  • (nl + en) RKDartists
  • (en) Union List of Artist Names
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • Allociné
  • (en) AllMovie
  • (de + en) Filmportal
  • (en) IMDb
• Ressource relative au spectacle :
  • (en) Internet Broadway Database
• Ressource relative à la mode :
  • (en) Fashion Model Directory

La "légende" Buckethead :
Selon Ronald L. Witherspoon (historien de Bucketheadland), Buckethead serait né dans une ferme au milieu de poulets. Après avoir subi de mauvais traitement de la part de ses "éleveurs" il se réfugia auprès de ses amis les poulets. Appréciant beaucoup la compagnie du jeune garçon, ces derniers lui auraient scarifié le visage ; le condamnant ainsi a porter un masque. Buckethead avoue être marqué par le triste sort réservé aux poulets de la ferme. En effet, les « éleveurs » tuaient régulièrement un grand nombre de ses amis qu'il devait ensuite manger. Buckethead, en « hommage » aux corps mutilés des ses amis gallinacés, tente de reproduire leurs cris de souffrance à l'aide de sa guitare. Buckethead joua beaucoup pour ses amis les poulets et éleva rapidement son niveau de jeu. Doté d'une technique irréprochable, Buckethead figure parmi les meilleurs guitaristes de la planète (bien que méconnu en France).

Buckethead entama sa carrière de guitariste au début des années 90 avec son premier groupe les "Deli Creeps".

Il a notamment joué dans le projet Praxis de Bill Laswell, ainsi qu'au sein des Guns n' Roses de 2000 à 2004. Une partie des albums solo est sortie sur le label d'avant-garde Tzadik.

Il y a énormément de spéculations sur son identité réelle. C'est pourquoi Paul Gilbert a du démentir lui-même, sur son site, qu'il n'était pas Buckethead. Buckethead est en fait un grand amateur de films d'horreurs, c'est de là qu'il tire une bonne part de l'inspiration de son personnage. Mais il ne faut surtout pas oublier que buckethead a surtout trouvé son inspiration sur la malbouffe (ou fast food)de ce monde d'où le seau sur la tête.
Il a également passé des auditions pour être membre des Red Hot Chili Peppers
mais le groupe trouvait que Buckethead n'était pas assez "Groove"

Discographie

Albums Solos

* 1991: Giant Robot (Démo)
* 1991: Bucketheadland Blueprints
* 1992: Bucketheadland
* 1994: Giant Robot
* 1996: Day of the Robot
* 1998: Colma
* 1999: Monsters and Robots
* 2001: KFC Skin Piles
* 2001: Somewhere Over the Slaughterhouse
* 2002: Funnel Weaver
* 2002: Bermuda Triangle
* 2002: Electric Tears
* 2003: Bucketheadland 2
* 2004: Island of Lost Minds
* 2004: Population Override
* 2004: The Cuckoo Clocks of Hell
* 2005: Enter the Chicken (
* 2005: Kaleidoscalp
* 2005: Inbred Mountain
* 2006: Chicken Noodles (avec Travis Dickinson)
* 2006: The Elephant Man's Alarm Clock
* 2006: Crime Slunk Scene
* 2007: In Search of The
* 2007: Pepper's Ghost
* 2007: Acoustic Shards (enregistré en 1991)
* 2007: Kevin's Noodle House
* 2007: Decoding the Tomb of Bansheebot
* 2007: Cyborg Slunks
* 2008: From The Coop (enregistré en 1988)
* 2008: Enter the Chicken (réédition)
* 2008: Untitled Studio album

Groupe

Cobra Strike

* 1999: 13th Scroll
* 2000: Cobra Strike II - Y, Y+B, X+Y

Colonel Claypool's Bucket of Bernie Brains

* 2004: The Big Eyeball in the Sky

Cornbugs

* 1999: Spot the Psycho
* 2001: Cemetery Pinch
* 2001: How Now Brown Cow
* 2004: Brain Circus
* 2004: Donkey Town
* 2005: Rest Home for Robots
* 2005: Skeleton Farm
* 2006: Celebrity Psychos

Death Cube K

* 1994: Dreamatorium
* 1997: Disembodied
* 1999: Tunnel
* 2007: DCK
* 2007: Torn from Black Space

Deli Creeps

* 1991: Deli Creeps Demo Tape 1991
* 1996: Deli Creeps Demo Tape 1996
* 2005: Dawn of the Deli Creeps

El Stew

* 1999: No Hesitation
* 2003: The Rehearsal

Giant Robot

* 1996: Giant Robot NTT

Gorgone

* 2005: Gorgone

Guns N' Roses

* TBA: Chinese Democracy

Avec Jonas Hellborg & Michael Shrieve

* 1992: Octave Of The Holy Innocents

Avec Viggo Mortensen

* 1999: One Less Thing to Worry About
* 1999: The Other Parade
* 1999: One Man's Meat
* 2003: Pandemoniumfromamerica
* 2004: Please Tomorrow
* 2004: This, That and the Other
* 2005: Intelligence Failure

Pieces

* 1996: I Need 5 Minutes Alone

Praxis

* 1992: Transmutation (Mutatis Mutandis)
* 1994: Sacrifist
* 1994: Metatron
* 1997: Live in Poland
* 1997: Transmutation Live
* 2001: Warszawa
* 2006: Zurich
* 2007: Tennessee 2004
* 2007: Profanation (Preparation for a Coming Darkness)

Shine/Shin Terai/Shine E

* 2001: Unison
* 2004: Heaven and Hell
* 2007: Light Years

Thanatopsis

* 2001: Thanatopsis
* 2003: Axiology
* 2006: Anatomize

Zillatron

* 2003: Lord of the Harvest

À 17 ans, Carlos parfait sa formation d'autodidacte en se produisant dans les clubs de Tijuana, alors que ses parents ont émigré à San Francisco.

En 1966, le Santana Blues Band fait exploser les rues de San Francisco dès ses premières prestations. Il a bercé et fait danser le monde avec de nombreux titres, tels Samba pa ti, Black Magic Woman, Oye como va, Europa et Evil Ways, ou plus récemment avec Smooth, Maria Maria, Illegal et Into The Night.

En 1969, Santana participe au festival de Woodstock avec son rock teinté de rythmes latino. Les trente années qui suivent ne sont que reconnaissance et succès pour cet artiste international.

Remarqué peu avant le festival de Woodstock, le groupe y fut invité par les organisateurs. Sa prestation, dont celle du morceau mythique Soul Sacrifice (avec un jeune batteur Michael Shrieve), immortalisée dans le film Woodstock, qui resta légendaire, assura un grand succès à son premier album, mêlant salsa et rock. Le style du groupe évolua dans les années 1970 vers une musique plus « psychédélique » et jazzy, tout en gardant une forte influence latine. Disciple de Sri Chinmoy de 1972 à 1981, Santana adoptera le nom de "Devadip" qui signifie "la lumière de la lampe de Dieu".

Santana s'est toujours entouré de grands artistes comme Aerosmith pour Just Feel Better ou Rob Thomas pour Smooth ou encore Chad Kroeger pour Into The Night. Il a cotoyé des musiciens comme John McLaughlin, Herbie Hancock, Wayne Shorter avec lequel il a fait une tournée, Stanley Clarke et biens d'autres. Il fait partie des musiciens qui ont su au fil des années faire évoluer leur musique en fonction de leurs diverses influences et expériences. Il est de par sa carrière et son œuvre un des plus grands guitaristes du XXe siècle.

Au milieu des années 70, il joue sur des Gibson's mais aussi sur une Yamaha SG 2000. (Europa)

Il possède deux modèles Signatures de la marque PRS (Paul Reed Smith). La PRS Santana SE et aussi la PRS Santana III qu'il utilise presque toujours depuis quelques années.

Source

Biographie

Il a deux frères et quatre sœurs. Son père, Camillo Rea, était glacier à Guisborough, dans la proche banlieue de Middlesbrough. Dans cette banlieue, « Aller chez Rea's » signifiait aller manger une glace.

Les débuts

Chris Rea succède à David Coverdale (futur Deep Purple et Whitesnake) dans le groupe Magdalene, et gagne un concours national de jeunes talents en 1975, mais le groupe ne parvient pas à signer un contrat avec une maison de disques. Chris Rea le quitte pour entamer en 1976 une carrière solo et signe alors un contrat avec la maison de disques Magnet. En 1978, il enregistre l'album Whatever Happened to Benny Santini? avec le titre Fool (If You Think It's Over) écrit pour une de ses sœurs, l'album devient disque d'or aux États-Unis.

La percée européenne

Chris Rea commence par se concentrer sur l'Europe, sortant huit albums dans les années 1980. Les titres Josephine (1985) et On the Beach (1986) ont un grand succès en France. La compilation New Light Through Old Windows (1988) regroupe ses plus grands titres d'alors. Son album suivant l'amène au sommet de sa carrière : The Road to Hell est n^o 1 dans les hit-parades anglais. Cette popularité européenne ne traverse toutefois pas l'Atlantique, où ses chansons connaissent des résultats plus modestes. L'album suivant, Auberge, trouvera lui aussi son public en Europe.

Après Auberge

En 1991, il compose une chanson pour Johnny Hallyday, True to you. De 1991 à 2005, Chris Rea produit presque chaque année un album. Même s'il ne rencontre pas le même succès, il poursuit enregistrements et tournées.

En 2000, le groupe français de musique électronique Superfunk, associé au chanteur américain Ron Carroll, s'inspire largement dans leur morceau Lucky Star du morceau Joséphine.

En 2001, un remix du titre de Chris Rea On The Beach (1986) rencontre un petit succès sur les pistes de dance.

Cancer et retour au blues

Après un cancer du pancréas, Chris Rea se promet de revenir aux racines du blues, si jamais sa santé le lui permet après son opération. C'est ce qu'il fait en 2002, avec l'album Dancing Down The Stony Road, résultat de séances d'enregistrement en France et en Angleterre. Une version raccourcie de cet album sortit plus tard sous le titre Stony Road. L'album est suivi d'un DVD du même nom incluant un making-of et l'enregistrement du concert donné au festival de jazz de Montreux.

En 2003, Chris Rea crée son propre label Le Jazzee Blue afin de se libérer de la pression des maisons de disques et de leurs contraintes dans la création.

Il a depuis sorti l'album de blues intitulé Blue Street (Five Guitars), album jazz-blues instrumental contenant un impressionnant jeu de guitare. Plus récemment, The Blue Jukebox est un autre album jazz-blues.

En tant que bluesman, Chris Rea est un musicien fidèle à ses racines. Il a travaillé avec David Knopfler sur deux albums, Wishbones en 2001 et Ship of Dreams en 2004. Après la sortie d'un coffret de 11 nouveaux CD fin 2005 intitulé Blue Guitars, il entame en février 2006 ce qu'il dit être la dernière tournée de sa carrière.

En 2008, il fait un retour remarqué avec The Return of the Fabulous Hofner Blue Notes, album très travaillé artistiquement que les amateurs considèrent en même temps comme un retour aux sources mais aussi comme un renouveau musical, comme l'atteste la surprenante Russian Roulette. La même année sort une nouvelle compilation intitulée selon l'un de ses titres les plus connus, Fool if You Think it's Over (« Tu es idiot si tu crois que c'est fini »). Certains^[Qui ?] l'interprèteront comme l'annonce d'une éventuelle reprise des tournées ou bien de l'élaboration d'un nouvel album.

Film

Chris Rea s'est investi dans le film Parting shots. Il tient le rôle principal de cette comédie, aux côtés de John Cleese, Bob Hoskins et Joanna Lumley. Chris Rea y joue le rôle d'un homme à qui l'on révèle que le cancer lui laisse six semaines à vivre et qui décide de tuer ceux qui lui ont fait du mal durant sa vie.

Il est l'auteur d'un long-métrage La passione. Le film, dont l'action se situe au début des années 1960, s'articule autour de la rencontre passionnelle entre un jeune garçon et l'atmosphère du monde des grands prix de formule un. Ce thème est largement révélateur d'un sujet cher à Chris Rea, lui-même grand passionné de sport automobile. La chanteuse de jazz Shirley Bassey y apparait. Chris Rea compose lui-même la bande originale de l'œuvre.

Discographie

Albums studio

• 1978 : Whatever Happened to Benny Santini?
• 1979 : Deltics
• 1980 : Tennis
• 1981 : Chris Rea
• 1983 : Water Sign
• 1984 : Wired to the Moon
• 1985 : Shamrock Diaries
• 1986 : On the Beach
• 1987 : Dancing with Strangers
• 1989 : The Road to Hell
• 1991 : Auberge
• 1992 : God's Great Banana Skin
• 1993 : Espresso Logic
• 1996 : La passione
• 1998 : The Blue Cafe
• 1999 : The Road to Hell: Part 2
• 2000 : King of the Beach
• 2002 : Stony Road
• 2003 : Blue Street (Five Guitars)
• 2003 : Hofner Blue Notes
• 2004 : The Blue Jukebox
• 2008 : The Return of the Fabulous Hofner Blue Notes
• 2011 : Santo Spirito Blues
• 2017 : Road Songs for Lovers
• 2019 : One Fine Day

Compilations

• 1988 : New Light Through Old Windows (album remastérisé de ses meilleurs morceaux)
• 1994 : The Best of Chris Rea
• 1998 : Square Peg, Round Hole
• 2001 : The Very Best of Chris Rea
• 2005 : Blue Guitars: A Collection of Songs
• 2006 : The Road To Hell & Back (Live)
• 2008 : Fool if you think it's over
• 2009 : Still So Far To Go... The Best of Chris Rea
• 2020 : ERA 1: As, Bs and Rarities 1978-1984

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• (en) Chris Rea sur l’Internet Movie Database

En 2018, le magazine Rolling Stone le classe comme le sixième meilleur guitariste de tous les temps.

David a également été nommé « meilleur musicien sur guitare Fender de tous les temps » par un sondage effectué par le magazine spécialisé Guitarist, arrivant en tête devant d’autres guitaristes de légende tels que Jimi Hendrix ou Eric Clapton.

Biographie

Enfance et débuts musicaux

David Jon Gilmour naît à Cambridge, plus précisément dans la localité de Grantchester, en Angleterre. Son père, Douglas Gilmour, est maître de conférences en zoologie à l'université de Cambridge ; sa mère, Sylvia, enseignante et monteuse de films.

David connaît une enfance solitaire, malgré sa sœur et ses deux frères. Il est envoyé en pension à cinq ans alors que ses parents sont partis aux États-Unis pour y poursuivre leurs carrières. L'absence et la permissivité de ses parents lui laissent une certaine liberté, notamment pour fréquenter ses premiers pubs, ce qui ne l'empêche pas aussi de souffrir de cette absence. Gilmour privilégie vite la musique aux études. À 13 ans, il reçoit sa première guitare, une acoustique empruntée à un voisin (et jamais rendue). Il apprend à jouer en essayant de reproduire des chansons qu'il entend à la radio, grâce notamment à un disque d'apprentissage de Pete Seeger.

Il joue tout d'abord, en 1965-1966, avec le groupe The Ramblers qui est formé de Marvin Marriott à la guitare, son frère Chris Marriott au chant, Albert Prior et John Gordon aussi à la guitare, Richard Baker à la basse, Clive Welham à la batterie et finalement Dick Parry au saxophone. Le frère de David, Peter Gilmour, jouera à l'occasion comme guitariste remplaçant avec le groupe. Peu après, ils changent de nom et de personnel comme c'était la coutume en Grande-Bretagne à cette époque et deviennent Joker's Wild, groupe qui est formé de David Gilmour à la guitare et au chant, David Altham au chant, John Gordon à la guitare, Tony Sainty à la basse et Clive Welham à la batterie. Ils enregistrèrent un seul disque non officiel en 1966, qui ne contenait qu'une face A, l'autre face étant vierge. On retrouve sur ce disque, les chansons suivantes, Why Do Fools Fall in Love, Walk Like a Man, Don't Ask Me (What I Say), Big Girls Don't Cry et Beautiful Delilah et cette rareté ne fut imprimée qu'à cinquante exemplaires. Une copie est conservée dans les archives sonores de la British Library sous le code de référence C-625/1 et on peut aussi retrouver ces chansons sur un disque pirate, le disque numéro 15 de la série A Tree Full of Secrets de même que dans le LP/CD David Gilmour - Prefloyd (WOW LP-073 / WOW CD-32). Après d'autres changements de personnel, le groupe se retrouve finalement en trio avec, outre David, Rick Wills à la basse et John « Willie » Wilson à la batterie. Les trois musiciens se retrouveront en 1978 alors que Gilmour grave son premier album solo éponyme, sur lequel il joue aussi l'orgue, le piano et le synthétiseur Solina. Et lorsque Pink Floyd aura besoin d'un saxophoniste pendant l'enregistrement de l'album The Dark Side of the Moon en 1973, David contactera alors son ancien comparse du temps des Ramblers, Dick Parry, qui jouera aussi sur Wish You Were Here et Division Bell, il sera de la tournée subséquente P*U*L*S*E en 1995.

Au milieu des années 1960, il complète les maigres cachets de ses concerts à Cambridge par du mannequinat occasionnel à Londres. « Je traînais à Londres pendant un moment au milieu des années 1960. Je m'ennuyais un peu à Cambridge. Être dans un groupe et jouer deux à cinq fois par semaine, il n'y avait pas beaucoup d'argent à faire. Nous recevions en moyenne 20 à 25 £ par concert, à partager entre six ou sept personnes. De temps en temps, quelqu'un que je connaissais, me disait qu'il voulait que je monte à Santa Pod Raceway, la semaine suivante et m'assoir dans un véhicule à moteur stupide, avec des vêtements stupides, et me faire prendre en photo. C'était 50 £ par jour. Cinquante livres par jour ! J'étais aux anges. Je n'ai jamais été mannequin dans une agence ou quoi que ce soit du genre, mais si vous pouviez obtenir un emploi comme celui-là, l'équivalent de trois semaines de concerts, vous sautiez sur l'occasion. Cela dit, je n'ai probablement fait que trois jours comme ça dans ma vie. Donc, ce n'est pas strictement exact quand je suis décrit comme un modèle masculin. »

David voyage en Europe durant l'année 1966. Il part pour l'Espagne et passe l'été à Marbella. Il s'arrête au retour en France et passe trois mois à Saint-Étienne où il se produit régulièrement au club La Plage. Fin 1966, il part pour Paris où le groupe passe trois mois en résidence au club jazz le Bilboquet. Il voyage encore par la suite et se produit en divers endroits à travers le pays. En 1967, il chante deux chansons pour la bande sonore d'un film de Serge Bourguignon À cœur joie, avec Brigitte Bardot, Jean Rochefort et Murray Head. La musique est signée Michel Magne, les chansons s'intitulent I Must Tell You Why et Do You Want to Marry Me?.

Pink Floyd

David Gilmour rejoint le groupe Pink Floyd à la demande de Nick Mason le batteur, en janvier 1968, afin d'épauler sur scène le chanteur guitariste Syd Barrett, un ami d'enfance avec qui il a commencé à jouer de la guitare et dont le comportement devient de plus en plus erratique. En avril 1968, David Gilmour remplace définitivement Syd Barrett qui, victime de troubles mentaux, est devenu incapable de jouer et de suivre le groupe.

Il deviendra l'un des acteurs majeurs du succès de Pink Floyd à la fin des années 1960 et dans les années 1970, par sa qualité de jeu à la guitare et par son chant. Par contre, s'il excelle en tant que musicien, il avoue lui-même que l'écriture des paroles reste son point faible. D'ailleurs, à l'époque de l'album Ummagumma, alors que chacun des musiciens travaillait sur une chanson ou une pièce en solo, David demanda l'aide de Waters pour les paroles, mais celui-ci refusa et Gilmour dut se débrouiller seul.

Jusqu'à l'album The Wall (1979), David alterne essentiellement les compositions et les parties de chant avec, essentiellement, le claviériste Richard Wright et le bassiste Roger Waters. On notera son apport sur les chansons Shine On You Crazy Diamond (Parts I-IX), Wish You Were Here, et Dogs, sans oublier les trois chansons majeures de The Wall, Comfortably Numb, Run Like Hell et Young Lust, créditées Waters-Gilmour, ainsi que le solo de guitare sur le tube Another Brick in the Wall, Part II.

Les rapports entre Gilmour et Waters se détériorent ensuite de plus en plus, jusqu'à l'album The Final Cut, sorti en 1983, présenté au dos de la pochette comme un « album de Roger Waters interprété par Pink Floyd ». Mais, de Pink Floyd, il ne reste plus que Roger lui-même, David, et Nick qui, d'ailleurs, ne joue pas sur toutes les chansons de l'album. En effet, sur Two Suns in the Sunset, Mason est remplacé par Andy Newmark. Quant à Richard Wright, qui s'est fait proprement virer par Roger Waters pendant les séances de The Wall, il est absent sur ce disque et ce sont Michael Kamen et Andy Bown qui jouent les claviers.

Intermède solo

En 1984, Gilmour, souhaitant s'évader avec quelques artistes célèbres ? comme il le décrira plus tard ?, sort About Face, son second album solo. Sur celui-ci, on retrouve donc Steve Winwood à l'orgue Hammond, Jon Lord de Deep Purple au synthétiseur, Pino Palladino à la basse, Jeff Porcaro à la batterie, Vicky et Sam Brown ainsi que Roy Harper aux chœurs. Gilmour signe toutes les musiques et la majorité des textes. Deux chansons sont écrites avec la collaboration de Pete Townshend, du groupe The Who.

La sortie de l'album est suivie d'une tournée d'une quarantaine de dates couvrant l'Europe et l'Amérique du Nord. L'orchestre qui accompagne Gilmour est composé notamment de Mick Ralphs (ex-Bad Company) à la guitare, Chris Slade (ex-Manfred Mann) à la batterie et Raphael Ravenscroft au saxophone. La majorité des chansons jouées provient de ses deux albums solo. Malgré une réception critique sympathique, la vente de billets reste modeste.

Pink Floyd - le retour

En 1985, Waters déclare que Pink Floyd ne pourra plus jamais retrouver sa gloire passée et qu'il vaut mieux, selon lui, laisser le groupe sur une fin rapide, plutôt que sur un album dont la qualité ternirait l'image du groupe. Il quitte Pink Floyd. Mais Gilmour souhaite reprendre les rênes du groupe, et il a du travail : Mason a tellement été anéanti que David dira plus tard dans une interview qu'il ne savait même plus jouer de la batterie ; quant à Richard Wright, il a été expulsé du groupe. Gilmour expliquera :

« J'avais pas mal de problèmes avec la direction du groupe, avant que Waters ne parte. Je pensais que les chansons étaient si verbeuses que la musique n'était devenue qu'un accompagnement peu inspirant pour les paroles? The Dark Side of the Moon et Wish You Were Here avaient été très réussis, pas seulement grâce aux contributions de Waters, mais aussi pour la qualité de l'accompagnement de la musique, comparés à d'autres albums plus récents. C'est ce que j'ai essayé de faire avec A Momentary Lapse of Reason, plus concentré sur la musique? »

Gilmour et Mason réintègrent donc Richard Wright en tant que claviériste pour la tournée du nouvel album sorti en 1987, A Momentary Lapse of Reason, considéré pratiquement comme un autre album solo de Gilmour aidé par d'autres artistes, les autres membres n'y ayant pas participé grandement. Lors de la parution de l'album, Gilmour affirmera, dans une interview française, qu'il souhaitait composer de la musique « moderne », et ne pas faire de tournées « nostalgiques »^{[réf. nécessaire]}.

Waters a, quant à lui, entamé un procès en 1986 afin que le nom de Pink Floyd n'existe plus. Il perd le procès, mais le groupe devra désormais lui verser près de 40 % des gains acquis sur chaque concert qu'il donnera et pour chaque album qu'il produira.

En 1994, paraît l'album The Division Bell, un album considéré comme « l'anti-Wall », car traitant de la communication. Cette fois-ci, tous les membres du groupe y ont participé, Wright composera cinq chansons avec Gilmour, dont Wearing the Inside Out où il chante en solo. La même année, Gilmour entame les tournées P*U*L*S*E avec ses amis, et Guy Pratt à la basse pour remplacer Waters.

L'inimitié entre Roger Waters et David Gilmour reste forte et célèbre jusqu'à ce que, à la demande de Bob Geldof, ils acceptent une reformation de Pink Floyd, pour le concert londonien du Live 8 en 2005. Ce concert est l'occasion de voir et d'entendre le groupe jouer pendant près d'une demi-heure. Cette performance a ainsi fait progresser les ventes de l'album Echoes: The Best of Pink Floyd de 1 343 %. Gilmour fait don de sa part sur les revenus de ce disque à des œuvres de charité.

« Bien que l'objectif principal soit de réveiller les consciences et faire pression sur les chefs du G8, je ne tirerai pas profit du concert. C'est de l'argent qui devrait être utilisé pour sauver des vies. »

Peu de temps après, il demande à tous les artistes dont les ventes progressent, de donner le revenu supplémentaire pour les collectes de fonds du Live 8. Après le concert, on offre à Pink Floyd 150 000 000 £ pour tourner aux États-Unis, mais le groupe rejette l'offre. Le 3 février 2006, Gilmour annonce au journal italien La Repubblica :

« Je pense que j'en ai assez. J'ai 60 ans. Je n'ai pas la volonté de travailler encore plus. Pink Floyd a été une partie importante de ma vie, je me suis amusé, mais c'est fini. Pour moi il est beaucoup moins compliqué de travailler seul. »

Et il a également affirmé qu'en participant au Live 8 avec Waters, Pink Floyd ne finirait pas sur une note amère :

« Il y avait plus d'une raison d'y participer : premièrement, pour soutenir la cause. La deuxième est le rapport inconfortable entre Roger et moi que je portais dans mon cœur tout au long de ma vie. C'est pourquoi nous avons voulu jouer et laisser la fange derrière nous. Troisièmement, je pense que je l'aurais regretté si j'avais décliné la proposition. »

Toujours en 2002, à la suite d’un concert programmé par Robert Wyatt lors du Meltdown Festival, David Gilmour et des invités, Bob Geldolf et Richard Wright par exemple, jouent trois concerts semi-acoustiques au Royal Festival Hall de Londres. À cette occasion, un critique^[Qui ?] évoque un « dieu du rock métamorphosé en héros folk du XXI^e siècle ».

Le 20 février 2006, Gilmour parle encore du futur de Pink Floyd quand il est interviewé par Billboard.com : « Qui sait ? Mais je n'ai aucun projet dans ce sens. Mes projets sont de faire mes propres concerts et d'enregistrer mes albums solos ».

En mars 2006, On an Island, le nouvel opus solo de David voit le jour. Les deux fidèles compères, Richard Wright (Pink Floyd) et Robert Wyatt (ex-Soft Machine), participent à l'album. L'album est en tête des charts dans de nombreux pays (à l'exception de la France), confirmant ainsi sa popularité. Une tournée internationale suit et un double DVD live intitulé Remember that Night - Live at the Royal Albert Hall est commercialisé le 17 septembre 2007. Un deuxième concert de cette tournée a été publié sous forme audio et DVD en septembre 2008 : Live in Gda?sk.

Depuis leur apparition au Live 8 en 2005, Gilmour a toujours répété qu'il n'y aurait pas d'autres réunions avec Pink Floyd. Cependant, en 2007, dans une interview avec Phil Manzanera, il a affirmé que « tout n'était peut-être pas encore fini » et qu'il projetait de faire « quelque chose » dans le futur. Mais, avec la mort de Richard Wright en septembre 2008, le dernier espoir de revoir Pink Floyd réuni s'évanouit à jamais et semble désormais impossible. Gilmour a dit à propos de Wright :

« Parmi la multitude de questions que l'on se pose sur qui était Pink Floyd, Rick a été très souvent oublié. Il était doux, gentil, sans prétention et secret, discret et humble, mais sa voix et sa façon de jouer étaient vitales et ont fait la magie et la célébrité des chansons de Pink Floyd. Comme Rick, je ne trouve pas facile de m'exprimer en mots, mais je l'ai aimé et il me manquera énormément. Je n'ai jamais joué avec quelqu'un qui soit comme lui. »

Le samedi 10 juillet 2010, David Gilmour et Roger Waters se sont produits sur scène dans le cadre de l'œuvre de charité Hoping. En compagnie de Guy Pratt (basse et guitare acoustique), Harry Waters (claviers), Andy Newmark (batterie), Chester Kamen (Guitare) et Jonjo Grisdale (claviers) les deux ex-membres de Pink Floyd ont interprété quatre titres : To Know Him Is To Love Him (écrit par Phil Spector), Wish You Were Here, Comfortably Numb et Another Brick In The Wall (Part 2).

Le 12 mai 2011, David Gilmour rejoint Roger Waters sur scène, à l'O2 Arena de Londres, lors de la tournée mondiale The Wall Live de ce dernier. Ils jouent notamment Comfortably Numb, l'une des trois chansons qu'ils composèrent et signèrent ensemble pour l'album The Wall. Lors de ce même concert, Gilmour et Nick Mason interprètent Outside the Wall.

Solo et autres projets

Lorsqu'il ne joue pas avec Pink Floyd, David Gilmour assume également divers rôles en tant que producteur, répétiteur, et même ingénieur du son pour les musiciens les plus divers, dont Syd Barrett, Paul McCartney, Kate Bush, Peter Cetera, Grace Jones, Tom Jones, Elton John, B. B. King, Seal, Sam Brown, Jools Holland, Bob Dylan, Pete Townshend, The Who, Supertramp, Levon Helm, Robbie Robertson, Alan Parsons, et divers groupes pour des concerts de charité.

En 1985, David Gilmour a joué avec Bryan Ferry. Il joue sur l'album Boys and Girls, notamment dans Is Your Love Strong Enough pour la sortie américaine du film de Ridley Scott - Tom Cruise, Legend. Un clip vidéo pour ce dernier a été créé, intégrant Bryan Ferry et David Gilmour dans des séquences du film (sorti en tant que bonus sur le 2002 Ultimate Edition sortie en DVD). Plus tard dans l'année, David Gilmour jouera avec Bryan Ferry lors des concerts Live Aid à Londres. C'est là qu'il rencontrera pour la première fois le claviériste de Bryan Ferry, Jon Carin, qui deviendra par la suite le second claviériste en tournée de Pink Floyd.

David Gilmour a aussi pris part à un sketch comique de la série télévisée French and Saunders, The Easy Guitar Book Sketch avec le comédien Rowland Rivron et les musiciens anglais Mark Knopfler, Lemmy de Motörhead, Mark King de Level 42 et Gary Moore. Le technicien de guitare Phil Taylor expliquera dans une interview que Knopfler a utilisé les techniques de guitare de Gilmour et s'est arrangé pour avoir le même son que lui lorsqu'il a joué dans le sketch. Il a aussi participé plusieurs fois à l'émission Pop Quiz pour la télévision britannique.

Il a aussi enregistré trois albums solos et publié des albums et DVD enregistrés durant ses tournées. Ceux-ci sont restés dans le top 40 des charts aux États-Unis (l'album On an Island est arrivé n°6, Live in Gdansk, n°26, David Gilmour, n°29, et About Face est arrivé n°32), ce qui fait de lui le membre de Pink Floyd ayant accompli la meilleure carrière soliste.

En 1994, David Gilmour joue la guitare pour le jeu vidéo Tuneland.

En 2001 et 2002, il a donné une série de concerts acoustiques à Londres et à Paris, avec un petit groupe et un chœur. En 2003, le magazine Rolling Stone inclut Gilmour dans la liste des cent plus grands guitaristes de tous les temps.

Le 6 mars 2006, lors de son 60^e anniversaire, il sort son troisième album solo On an Island, qui paraît aux États-Unis le jour suivant; il commence #1 des charts anglaises. L'album a rejoint le top 5 en Allemagne et en Suède, et le top six dans le Billboard 200^,. Produit par Gilmour en coopération avec Phil Manzanera et Chris Thomas, l'album comprend les interprétations avec un orchestre dirigé par un polonais renommé, Zbigniew Preisner. L'album comprend également David Crosby et Graham Nash pour les harmonies des chansons, Robert Wyatt à la percussion et Richard Wright au synthétiseur et au chant. Les autres contributeurs sont Jools Holland, Phil Manzanera, Georgie Fame, Andy Newmark, B. J. Cole, Chris Stainton, Willie Wilson, Rado 'Bob' Klose à la guitare, et Leszek Mozdzer au piano. L'album comprend aussi les débuts de Gilmour au saxophone.

Gilmour a tourné en Europe, aux États-Unis et au Canada du 10 mars au 31 mai 2006 pour promouvoir son album On an Island. Il y a eu 10 concerts aux États-Unis et au Canada. Le claviériste de Pink Floyd, Richard Wright, et les collaborateurs fréquents de Pink Floyd tels que Dick Parry, Guy Pratt, et Jon Carin ont également accompagné la tournée. Plus de concerts se sont tenus en Europe en juillet et août 2006.

Dans une parution de presse pour annoncer la tournée, David Gilmour a dit : « J'espère qu'avec cette annonce pour la tournée, les gens vont me croire quand je dis honnêtement que c'est le groupe avec qui j'ai prévu de faire ma tournée ! »

En avril 2006, l'album On an Island a été certifié platine au Canada, avec plus de 100 000 ventes. L'album a aussi donné à Gilmour son premier album situé dans le Top 10 des États-Unis en tant qu'artiste solo.

Un film enregistré pendant un des concerts de la tournée solo de Gilmour, appelé Remember that Night - Live at the Royal Albert Hall est sorti le 17 septembre 2007. Le double DVD, dirigé par David Mallet, contient plus de cinq heures de métrage, comprenant un documentaire sur le trajet et sur les invités comme David Bowie et Robert Wyatt. Les deux heures et demie de concert avec le membre de Pink Floyd Richard Wright, Phil Manzanera de Roxy Music, Steve DiStanislao à la batterie et divers habitués de Pink Floyd comme Dick parry, Guy Pratt et Jon Carin. Le livret de 20 pages qui accompagne le DVD présente près de 80 photos sélectionnées de l'enregistrement studio et de la tournée. L'album est maintenant disponible en disque Blu-ray avec le son Dolby TrueHD.

Le concert final de la tournée On an Island s'est tenu aux chantiers navals de Gda?sk le 26 août 2006. Près de 50 000 personnes y ont assisté . Le concert a marqué le vingt-sixième anniversaire de la révolution polonaise. Il a été marqué par l'inclusion de la chanson A Great Day for Freedom dans le cadre du rappel.

Le 25 mai 2009, Gilmour a participé à un concert tenu à la chapelle Union, à Islington, Londres. Le concert était une partie de la campagne Hidden Gigs, organisé par une association qui agit en faveur des sans-abri. Gilmour y apparaît en collaboration avec les musiciens Amadou et Mariam.

Le 4 juillet 2009, il a rejoint son ami Jeff Beck sur scène au Royal Albert Hall. David et Jeff ont joué les solos de Jerusalem et ont terminé le spectacle avec Hi Ho Silver Lining.

En août 2009, Gilmour publie un single en ligne, Chicago - Change the World, sur lequel il chante et joue de la guitare, de la basse et du clavier pour faire connaître le sort de Gary McKinnon. Il s'agit d'une reprise ré-intitulée de la chanson Chicago, avec la participation de Chrissie Hynde et Bob Geldof, ainsi que McKinnon lui-même. Il a été produit par un collaborateur de Pink Floyd de longue date, Chris Thomas. Une vidéo est disponible en ligne.

Le quatrième album solo studio de Gilmour, Rattle That Lock, sort le 18 septembre 2015. Il y a effectivement des pièces enregistrées avec Richard Wright, tel qu'annoncé précédemment, les autres musiciens invités sont, entre autres, Graham Nash et David Crosby aux chœurs, Guy Pratt à la basse, Mica Paris au chant, Robert Wyatt, Roger Eno et Steve DiStanislao. La chanson-titre reprend un jingle de la SNCF composé par Michaël Boumendil, le disque est coproduit par David Gilmour et Phil Manzanera. Cinq des textes des dix chansons de l'album sont de la plume de Madame Gilmour, Polly Samson. Son fils Gabriel a aussi joué du piano.

En 2020, Il sort un nouveau titre, Yes I Have Ghosts avec sa fille Romany à la harpe et aux chœurs, sa première chanson en cinq ans. En avril 2022, Gilmour ressuscite Pink Floyd l'instant d'une chanson, Hey Hey Rise Up, en guise de protestation à l’invasion de l'Ukraine par la Russie.

Vie privée

David Gilmour s'est d'abord marié à l'Américaine « Ginger » Hasenbein avec laquelle il aura quatre enfants : Alice (née en 1976), Clare (née en 1979), Sara (née en 1983) et Matthew (né en 1986). Les enfants suivent les cours dans une école Waldorf, mais David Gilmour qualifia l'éducation qu'ils y reçurent d’« horrible ». En 1994, il épouse la journaliste britannique Polly Samson et le couple aura quatre enfants : Charlie (le fils de Polly avec son ancien mari, Heatcote Williams), et trois autres nés de leur union, Joe, Gabriel et Romany. La voix de Charlie peut être entendue au téléphone avec Steve O'Rourke à la fin de la chanson High Hopes (The Division Bell).

David Gilmour est également pilote et fan d'aviation. Il crée une compagnie aérienne, Intrepid Aviation, et possède une collection d'avions historiques. Il décide de vendre sa compagnie qui avait été commencée comme simple loisir mais est devenue tellement célèbre qu'elle était rendue trop commerciale pour lui.

Le 22 mai 2008, David Gilmour obtient le prix Lifetime Achievement du Ivor Novello Awards et la même année, Q Awards lui décerne un prix pour sa contribution exceptionnelle à la musique. Il dédie ce dernier à la mémoire de son ami et collaborateur Richard Wright, mort cette année-là.

Style de musique

David Gilmour est surtout connu pour son jeu de guitare. Le style de ses solos est souvent caractérisé par des phrases influencées par le blues, et par des notes tenues en portamento. Sa technique de glissés (glissando et slide), est parfaitement maîtrisée.

Principalement guitariste, David Gilmour est également multi-instrumentiste. Il joue de la basse (notamment sur certaines chansons de Pink Floyd - One of these days par exemple), des claviers, du banjo, de l'harmonica, de la batterie (sur la chanson de Syd Barrett Dominoes, et aussi d'autres chansons où il joue de tous les instruments, par exemple sur The Narrow Way de l'album Ummagumma), et plus tard, du saxophone. Sur son album solo On an Island, sur la chanson Red Sky at Night c'est lui au saxophone. Il joue aussi le cümbüş qui est un instrument à cordes pincées turc, semblable au banjo, on en entend quelques notes au début de l'album sur la pièce Castellorizon.

Dans ses débuts de carrière avec Pink Floyd, David Gilmour a utilisé une multitude de Fender Stratocaster. Un de ses solos les plus populaires (Another Brick in the Wall, Part 2) a été joué sur une Gibson Les Paul Gold Top 1955, une guitare équipée de micros P-90^,.

En 1996, David Gilmour a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en tant que membre de Pink Floyd. Le solo de Gilmour sur Comfortably Numb a été désigné comme l'un des plus grands solos de guitare de tous les temps dans plusieurs sondages par les auditeurs et les critiques.

En janvier 2007, les lecteurs de Guitar World ont classé les solos de David Gilmour sur Comfortably Numb, Time et Money dans le classement des cent plus grands solos de guitares de l'histoire, respectivment, le quatrième solo de tous les temps, le vingt-et-unième et le soixante-deuxième.

Engagements et positions

Organismes caritatifs

David Gilmour fut donateur de diverses associations de charité : en mai 2003, il a vendu sa maison de Maida Vale à Londres, à la famille Spencer et a donné 3,6 millions £ à Crisis pour aider à trouver un projet de maison pour les sans-abris. À part Crisis, Gilmour a fait des dons à d'autres associations telles qu'Oxfam, European Union Mental Health and Illness Association, Greenpeace, Amnesty International, Lung Foundation et Nordoff-Robbins Music Therapy. Il a également donné 25 000 £ à Save the Rhino Foundation comme remerciement à Douglas Adams pour avoir trouvé le nom de l'album The Division Bell.

Environnement

Le 20 juin 2019, à l'occasion de la vente aux enchères de 130 de ses instruments organisée par la maison Christie's à New York, David Gilmour a indiqué consacrer les 19 millions d’euros récoltés à l'organisation ClientEarth œuvrant dans les domaines du droit et de l'environnementalisme. Il a déclaré que « La crise écologique est le plus grand défi auquel l’humanité doit faire face, et il ne nous reste plus que quelques années avant que certains de ses effets ne deviennent irréversibles, explique Gilmour. Notre monde civilisé doit perdurer, pour nos petits-enfants et les générations futures - un monde dans lequel ces guitares pourront être jouées, et des chansons chantées. » Sa « Black Strat » a été vendue à 3 975 000$US, sa Fender numérotée 00001 pour 1 815 000$US et sa la Gibson Les Paul Goldtop 447 000$US.

Matériel

Voici une liste du matériel le plus souvent employé par David Gilmour.

Guitares

Fender

• Stratocaster
  • Sa guitare principale, la « Black Strat », qui fut énormément modifiée au fur et à mesure des années, est une Fender Stratocaster (1969) 3-color Sunburst, peinte en noir et un micro blanc, avec un manche vintage 1957 reissue « V shape » maple neck. Le manche vient de la guitare qu'il a utilisée lors de la tournée About Face. La guitare inclut également un commutateur qui combine les micros manche et le chevalet (à noter que la guitare a été brièvement équipée avec un système de tremolo Kahler). La guitare a un micro Seymour Duncan ssl-5 en position « chevalet », un Fender Custom Shop de 69 en position « milieu » et un Fender « Fat 50 » en position « manche ». La sangle était celle qui a appartenu à Jimi Hendrix
  • La guitare qu'il utilisa essentiellement durant les années Post-Waters et notamment pendant les CD de A Momentary Lapse of Reason, de Delicate Sound of Thunder, de The Division Bell, et de Pulse était une Fender Stratocaster Candy Apple Red '57 reissue (fabriquée en 1984) et équipée de micros EMG SA active avec les deux potentiomètres standards remplacés par des EMG SPC mid boost control, et un EXG expandeur treble/bass (qui coupe les médiums tout en stimulant graves et aigus). Pendant la tournée On an Island, la guitare a été utilisée tous les soirs sur la chanson Shine On You Crazy Diamond.
  • Gilmour est le détenteur de la Fender Strat #0001 1954. Cependant, elle ne fut pas la première Stratocaster fabriquée, mais la première commercialisée. Elle a été vue la dernière fois durant un concert à Wembley Arena en 2004.
  • Fender Stratocaster couleur crème '57 Reissue. Utilisée pendant les tournées solo de 1984 et quelquefois pendant les années 1987-1990. En 1994, elle a été utilisée en tant que guitare de rechange. Tim Renwick a joué cette guitare lors de la prestation de Pink Floyd au Live 8. Cette Stratocaster est équipée des mêmes micros EMG que la Candy Apple Red '57 Reissue.
  • '57 Lake Placid Blue (Numéro de série #0040). Utilisée pendant les séances d'enregistrement de The Wall.
  • Double Neck Stratocaster (le corps de la guitare a été fabriquée par Dick Knight, mais le manche est un manche de Fender). Utilisé pendant les live 1970-72.
  • Sunburst Stratocaster. Manche '63 Rosewood avec un corps '59. Cette guitare a été donnée à David par Steve Marriott de Humble Pie. Bien que David n'ait pas assez aimé la guitare pour l'utiliser très longtemps, il en préfère le manche à celui de sa « Black Strat » de début, et a donc inversé les deux.
  • White avec micro blanc. Utilisée dans la fin des années 1960. Reçue en tant que cadeau par un groupe. Volée en 1970.
• Telecaster
  • Corps blond avec micro blanc. Utilisée pendant la tournée On an Island .
  • '52 Butterscotch Reissues avec micro noir. Utilisée entre 1987 et 1995. La première guitare a été réglée en Drop D pour jouer Run Like Hell . Il l'a ensuite réglée en «  normal  » pour jouer Astronomy Domine .
  • '59 Custom Telecaster avec un corps couleur cendre sunburst. Utilisée pendant la tournée Animals .
  • '61 Telecaster, utilisée pendant les séances d'enregistrement de The Wall. Aussi utilisée pendant les années Post-Waters pour Run Like Hell . Vue une dernière fois pendant le concert en hommage à Syd Barrett en 2007.
  • 1960's corps brown-faded. Utilisée dans la fin des années 1960's.
  • 1960's corps blond cendre avec un micro blanc. Sa principale guitare pendant ses premières années avec Pink Floyd, qui a été perdue par une compagnie aérienne en 1968 lors d'un voyage, ce qui obligea Gilmour à acheter sa Telecaster «  brown-faded  ».
  • Fender custom Baritone telecaster noir avec Fender system tremelo bigsby et (Micro Ron ellis)
• Esquire
  • '55 corps Sunburst aussi connue comme la «Workmate Telecaster ». Micro manche ajouté. Utilisée pendant les séances d'enregistrement pour son premier album solo, de The Wall, et les tournées suivantes. Également vue lorsqu'il a joué avec Paul McCartney dans la fin des années 1990. Utilisée pendant les séances d'enregistrement de l'album Rattle That Lock, sur le morceau éponyme, ainsi que sur la tournée Rattle That Lock Tout en 2016.
• Guitare Lap Steel
  • 1950's Fender 1000 twin neck pedal steel. Utilisée pendant le début des années 1970, achetée dans un magasin lorsque Gilmour était à Seattle en 1970. Utilisée pendant l'enregistrement de One of These Days , de Meddle , Breathe et The Great Gig in the Sky de The Dark Side of the Moon.
  • Fender Deluxe Lap Steel. Utilisée pour la première fois pendant la tournée The Division Bell en 1994 .
• Fender Bass VI . Utilisée pendant les séances d'enregistrement de The Wall.
• Basse Fender Precision.
• Basse Fender Jazz. Utilisée pendant les séances d'enregistrement de The Wall.
• Fender 1000 Pedal Steel

Gibson

• Gibson Les Paul Goldtop 1955 (micros P-90). Utilisée lors du solo de Another Brick in the Wall pt.2 (The Wall).
• Gibson Les Paul Traditional Goldtop 1956 (micros P-90) et vibrato Bigsby
• Gibson ES-355 Electric Guitar
• Gibson: EH150 Lap Steel guitar, « Chet Atkins » guitare classique, & J-200 Celebrity acoustic guitars.
• Gibson 1980 J-200 Celebrity acoustic utilisé dans High Hopes.
• Gibson J-45 utilisé dans l'album Atom Heart Mother en 1970.
• Gibson 1959 Country Western acoustic
• Gibson EH-150

Gretsch

• G6128T Duo jet

Bill Lewis

• 24-fret Guitar. Utilisée sur Meddle et Dark Side of the Moon.

Ovation

• Ovation Legend 1619-4 steel string & high string guitars. Utilisée pendant les séances d'enregistrement de The Wall.
• Ovation Legend 1613-4 nylon string guitar. Utilisée pendant les séances d'enregistrement de The Wall.
• Basse Ovation Magnum. Utilisée pendant les séances d'enregistrement de The Wall .

Takamine

• Guitare acoustique.

Martin Guitare Acoustique

• Martin D-35^,.
• Martin D12-28 12-string Guitare Acoustique.
• Martin D-18 acoustique.

Taylor

• 712ce acoustics guitars

Guild

• F-512 « antique burst » 12-string guitar.

Jose Vilaplana

• Guitare Nylon string

Steinberger

• GL : sa guitare principale pendant les enregistrements de A Momentary Lapse of Reason.

Charvel

• Fretless Fender Precision style bass guitar. Utilisée pour The Wall.

Music Man

• Fretless Stingray bass guitar.

Guitare Lap steel

• Guitare Jedson lap steel. Une rouge (1977-tuned D-G-D-G-B-E for Shine On You Crazy Diamond Parts 6-9, 1987-2006: Tuned E-B-E-G-B-E) et une blonde
• Guitare ZB pedal steel .
• Hermann Weissenborn Hawaiian style acoustic lap steel 1932

Rickenbacker

• A-22 : utilisée dans le live in Gdansk en 2008

Amplis

Effets

Autres

« Tribute Guitars »

En novembre 2006, Fender Custom Shop (en) a annoncé deux reproductions de la Black Strat à sortir le 22 septembre 2008. Le site de Gilmour raconte que la date de sortie a été choisie pour coïncider avec la date de sortie de Live in Gdansk. Les deux guitares sont basées sur l'instrument original. Chacune est équipée de différents degrés d'équipement. La plus chère est la David Gilmour Relic Stratocaster qui est la copie la plus proche de l'équipement utilisé sur la guitare originale. Une autre copie a aussi été faite, appelée David Gilmour NOS Stratocaster. Les deux guitares comprennent :

Discographie

Premiers enregistrements

• 1966 : Joker's Wild - Premier groupe avec lequel David Gilmour a gravé un maxi single de cinq chansons, Walk Like A Man, Big Girls Don't Cry, Why Do Fools Fall In Love, Don't Ask Me (What I Say) et Beautiful Delilah.
• 1967 : Do You Want to Marry Me? et I Must Tell You Why, chantées par David Gilmour sur une musique de Michel Magne, pour le film À cœur joie de Serge Bourguignon, avec Brigitte Bardot, Jean Rochefort, Laurent Terzieff et Murray Head. Il rejoint Pink Floyd peu après.

Pink Floyd

Sur tous les albums excepté The Piper at the Gates of Dawn

Solo

Albums studio

• David Gilmour (1978)
• About Face (1984)
• On an Island (2006)
• Rattle That Lock (2015)

Single

• 2020 : Yes I Have Ghosts - Avec sa fille Romany à la harpe et aux chœurs.

Albums live

• Live in Gda?sk (2008) - 2 CD + 2 DVD
• Live At Pompeii (2017) - 2 CD

Album distribué avec le magazine Mojo

• 2015 : David Gilmour & Friends - Contient la version de la chanson Here, There and Everywhere des Beatles, chantée par David Gilmour et son fils Joe. Contient aussi la chanson de David Crosby & Graham Nash, Don't Dig Here. Les autres interprètes présents sur cet album sont, entre autres, Phil Manzanera, Steven Wilson, Robert Wyatt, Richard Barbieri, The Orb, etc.

https://www.discogs.com/fr/release/7385679-Various-David-Gilmour-Friends

DVD

• David Gilmour - In Concert (2002)
• Remember That Night: Live from the Royal Albert Hall (2007)
• Live At Pompeii (2017)

Collaborations

Filmographie

Pink Floyd

• 1972 : Live at Pompeii, d'Adrian Maben
• 1989 : Delicate Sound of Thunder, vidéo de la tournée de 1988 A Momentary Lapse of Reason
• 1989 : Live in Venice
• 1992 : La Carrera Panamericana
• 1995 : Pulse
• 2005 : Live 8

Solo

• 1984 : David Gilmour Live 1984 - Label: CBS FOX Video Music Disponible VHS & DVD
• 2002 : David Gilmour in Concert - Label: EMI (UK), Capitol Records (US) DVD
• 2007 : Remember That Night - Label: David Gilmour Music Ltd. DVD & Blu Ray
• 2008 : Live in Gda?sk - Label: EMI (UK), Columbia Records (US) DVD
• 2017 : Live at Pompeii - Label: Columbia Records DVD & Blu Ray

Récompenses

• 2006 : Mojo Awards (Lifetime Achievement Award) - David Gilmour

Notes et références

Voir aussi

Articles connexes

• The Astoria
• Eye 2 Eye

Liens externes

• Ressources relatives à la musique :
  • Discogs
  • Last.fm
  • (en) AllMusic
  • (en) Carnegie Hall
  • (en) Encyclopaedia Metallum
  • (en) MusicBrainz
  • (en) Muziekweb
  • (en) Rate Your Music
  • (en) Rolling Stone
  • (en) Songkick
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • (en) IMDb
  • (en) Rotten Tomatoes
• Ressource relative au spectacle :
  • (en) Internet Broadway Database
• Ressource relative aux beaux-arts :
  • (en) National Portrait Gallery
• Ressource relative à la bande dessinée :
  • (en) Comic Vine
• (en) Site officiel
• Interview de David Gilmour en 1970 publiée sur le site des archives de la Radio Télévision Suisse

Sultans of Swing, Romeo and Juliet, Telegraph Road, Brothers in Arms, Money for Nothing, Your Latest Trick, Private Investigations, Walk of Life, Calling Elvis, So Far Away, Lady Writer, Twisting by the Pool sont quelques-uns des grands succès du groupe.

Le groupe se sépare en 1993, bien que son contrat ne prenne officiellement fin qu'en 1995. Ses membres sont intronisés au Rock and Roll Hall of Fame en 2018^,.

Historique

Origine du groupe

Mark Knopfler est un journaliste âgé de 27 ans quand son frère David lui présente le bassiste John Illsley. Tous deux décident alors de s'installer dans un studio et de tenter de vivre de leur musique. Les débuts sont difficiles et le groupe vit avec des moyens très limités.

C'est cette situation qui influence le groupe, initialement appelé The Cafe Racers, pour le choix de son nom : to be in dire straits peut en effet se traduire par "être dans la dèche", "avoir du mal à joindre les deux bouts" ou "être dans une situation désespérée (financièrement)".

Dans leur petit studio, Mark Knopfler compose en 1977 le titre qui reste comme l'hymne du groupe : Sultans of Swing, un hommage à tous les musiciens de bar et cabaret. Charlie Gillett diffuse alors la bande sans prévenir les membres du groupe lors de son émission Honky Tonk. Plusieurs producteurs le contactent dans les instants qui suivent. C'est finalement Phonogram qui les engage pour cinq albums.

Le triomphe du rock « à l'ancienne »

Dire Straits accompagne Talking Heads en tournée pour assurer la première partie du groupe américain de David Byrne.

Le premier album, Dire Straits, enregistré à Londres en février 1978 pour seulement 12 500 livres sterling, remporte rapidement un énorme succès dans toute l'Europe ? à l'exception notable du Royaume-Uni, qui ne vient au groupe que plus tard. Outre Sultans of Swing, qui ouvre la face B, l'album contient un autre succès, Down to the Waterline.

Mark Knopfler, qui signe tous les titres, s'impose comme l'unique compositeur du groupe. Il se fait également remarquer par son jeu de guitare, virtuose, mais à contre-courant du « gros son » rock de la fin des années 1970.

Le succès ne se dément pas avec le second album du groupe, Communiqué, enregistré dans la foulée du premier, en décembre 1978, à Nassau, Bahamas. Il réussit le tour de force d'occuper la première place des charts allemands alors que Dire Straits est toujours à la 3^e. Comme dans le cas de son prédécesseur, l'influence blues et country reste dominante, la production peu travaillée, les thèmes abordés et l'ambiance musicale sont noirs. Cette absence manifeste de démarche commerciale se retrouve d'ailleurs moins par la suite. Dire Straits rencontre le public français grâce à l'émission télévisée Chorus où le groupe, présenté et interviewé par Patrice Blanc-Francard chante cinq chansons sur scène à l'Empire.

À la fin des années 1970, à l'époque du punk, du funk et de la disco, le succès d'un groupe qui pratique un rock influencé par J.J. Cale et Dylan peut surprendre, mais il ne diminue pas pour autant avec les albums suivants, Making Movies en 1980 et Love over Gold en 1982.

Love over Gold dispose d'une particularité, car il était prévu à l'origine pour six chansons. Or il s'avère que dans l'album final, cinq seulement sont disponibles. La 6^e chanson Private Dancer composé par Mark Knopfler a été offerte à Tina Turner pour relancer sa carrière. Des membres de Dire Straits participèrent musicalement aux albums de Tina Turner dans les années 1980. Hal Lindes, Alan Clark, John Illsley, Terry Williams ont joué sur l'album Private Dancer qui a eu beaucoup de succès. Mark Knopfler et Guy Fletcher ont aussi joué sur l'album suivant, Break Every Rule réalisé en 1986, Mark a aussi écrit la chanson Overnight Sensation qu'il a produite et il a coproduit un autre titre, Paradise Is Here. Puis il a joué sur la pièce-titre de l'album Foreign Affair en 1989.

Ces albums de Dire Straits, qui inaugurent des compositions et arrangements plus complexes et plus conformes à l'air du temps, sont marqués par les succès Romeo and Juliet et Private Investigations. C'est aussi la fin des premières années, avec le départ du guitariste David Knopfler et du batteur Pick Withers. Ils sont remplacés par Hal Lindes (guitare) et Terry Williams (batterie), et l'effectif est renforcé par Alan Clark aux claviers.

En 1983, le groupe, pas davantage influencé par les tendances discoïdes des années 1980 que par le punk des années 1970, sort ExtendedancEPlay, un mini-album de 4 titres qui contient le single Twisting by the Pool, qui sonne nettement Honky Tonk. Il est suivi en 1984 par le double live Alchemy qui remporte un énorme succès.

Brothers in Arms : stades et disques laser

En 1985, le groupe sort Brothers in Arms, qui demeure son plus grand succès. Cet album est celui des premières mondiales : première vidéo à passer sur MTV en Angleterre pour Money for Nothing, single exceptionnellement rock pour le groupe, et surtout l'un des premiers albums rock à être diffusé sur un tout nouveau support discographique : le disque compact. Brothers in Arms est d'ailleurs le premier album de l'histoire à se vendre à plus d'un million d'exemplaires sur ce format CD (et tous supports confondus, ses ventes atteignent au fil des mois des scores exceptionnels au Royaume-Uni comme au niveau international). Par ailleurs, c'est aussi le premier album dont les claviers ont été séquencés et arrangés sur un ordinateur (Atari).

La sortie du disque est suivie par une tournée monumentale, qui voit Dire Straits jouer dans des stades pleins à craquer : le groupe remplit la Wembley Arena (Londres) ? à ne pas confondre avec le stade du même nom ? treize soirs de suite, et l'Entertainment Centre à Sydney vingt-et-une fois. Il joue également au Live Aid au stade de Wembley en compagnie de Sting (qui fais les chœurs sur la version studio de Money for Nothing), et devient, grâce à cette tournée, le groupe le plus vendeur des années 1980. Au niveau de la formation, cette époque marque le départ de Hal Lindes, remplacé à Noël 1984 par Jack Sonni alors vendeur dans un magasin de guitares sur la 48^e rue à New York (Rudy's Music Shop), et dont l'amitié avec Mark remonte au début des années 1980. Guy Fletcher, initialement embauché par Mark pour ses projets en dehors de Dire Straits, intègre également le groupe en tant que second claviériste. Fletcher suivra le groupe jusqu'à la fin et fera de même pour tous les albums solo de Mark Knpfler.

On Every Street et fin du groupe

Épuisés par le gigantisme de la tournée Brothers in Arms (248 concerts donnés dans 117 villes entre avril 1985 et avril 1986), les membres du groupe décident en 1986 de faire une pause, occasion pour Mark Knopfler de travailler sur d'autres projets. Une compilation est éditée en 1988 ? marquant les dix ans d'existence de la formation ? qui bat des records de ventes au Royaume-Uni ; et durant cette période le groupe ne joue qu'une fois, pour l'anniversaire de Nelson Mandela toujours en 1988 (accompagné pour l'occasion par Eric Clapton à la place de Jack Sonni, papa de jumeaux le soir-même et donc à la maternité), avant la reformation « officielle » l'année suivante.

Début 1990, Dire Straits, composé alors de Mark Knopfler, John Illsley, et des claviéristes Alan Clark et Guy Fletcher, et accompagné par divers musiciens de session dont le batteur de Toto Jeff Porcaro, se lance dans l'enregistrement d'un nouvel album. Baptisé On Every Street, celui-ci paraît finalement en septembre 1991, précédé du single Calling Elvis. Sans remporter le même succès que son prédécesseur, cet album se vend tout de même à près de 10 millions d'exemplaires dans le monde. La tournée qui suit, dont on retrouve des extraits sur le live de 1993 On the Night, débute le 23 août 1991 à Dublin et se termine le 9 octobre 1992 à Saragosse, qui demeure à ce jour l'ultime concert donné par le groupe. Les tournées remportent un grand succès en Europe (automne/hiver 1991 et de printemps/été 1992). Le groupe se sépare officiellement en 1995, et Mark Knopfler, épuisé, déclare « [ne plus vouloir] entendre parler de Dire Straits pendant au moins 10 ans ! ».

Le quatuor accompagné par leur manager à la batterie se reconstitue une seule fois, le temps de cinq chansons (Walk of Life, Sultans of Swing, Money for Nothing, Nadine et Wild Theme from Local Hero) à l'occasion du mariage de John Illsley le 19 juin 1999.

Style et influences

Débutant en pleine époque punk et évoluant dès les années 1980, Dire Straits n'en reste pas moins un groupe rock « à l'ancienne », influencé principalement par les années 1960, voire 1950, et le blues. Les influences country du groupe sont à chercher du côté de Bob Dylan pour le style de chant, et de J.J. Cale, Hank Marvin, Eric Clapton ou encore Chet Atkins pour le jeu de guitare. Mark Knopfler joue exclusivement aux doigts, n'utilisant pas de médiator, et emploie l'ancestrale technique blues qui consiste à alterner phrases chantées et phrases de guitare selon un système de questions-réponses. Son jeu, simple et classique mais d'une grande élégance, est le fondement du son de Dire Straits. Les autres membres du groupe sont pour le moins discrets, et Mark Knopfler se réserve en général les solos. Chet Atkins dira de son jeu de guitare, à l'occasion de l'album Neck and Neck qu'ils enregistrent en duo : « Knopfler fait n'importe quoi, mais il le fait bien ! »

Comme l'a fait remarquer le journal Le Monde ^{[réf. nécessaire]}, une grande modestie a toujours fait partie de l'image de marque du groupe (qui alla même jusqu'à décapitaliser son nom sur certaines affiches et pochettes : dIRE sTRAITS). Cela se retrouve même dans les thèmes des chansons : du Sultans of Swing des tout débuts jusqu'à Calling Elvis, Mark Knopfler semble plus soucieux de rendre hommage aux artistes qu'il admire que de se mettre en valeur lui-même. Cette discrétion personnelle s'accompagnait d'un grand perfectionnisme, notamment sur le plan technique : le groupe était réputé pour faire le désespoir des ingénieurs du son et des organisateurs de leurs tournées (auxquels sont dédiés la chanson et le clip Heavy Fuel). Ce son très soigné a fait de Dire Straits le groupe idéal pour les débuts du CD, qui leur permettait de faire ressortir les moindres nuances de leur son. Brothers in Arms fut d'ailleurs souvent employé pour faire la démonstration des possibilités sonores des nouveaux lecteurs. Il arriva même que l'album soit fourni avec l'appareil.

Le groupe est devenu au fil du temps une référence, voire pour certains un véritable mythe, notamment à l'extérieur de l'Occident (Inde?), où Dire Straits reste l'un des groupes européens les plus appréciés. Les albums solo de Mark Knopfler, pourtant parfois de qualité comparable, sans être boudés par le public, ne sont jamais parvenus à remporter le même succès.

Composition du groupe

Groupe

Anciens membres

N. B. : Aucun de ces musiciens ne fut jamais crédité comme membre officiel du groupe.

Invités notables

Musiciens de studio

Chronologie

Discographie

Albums studio

(*) Albums remasterisés et réédités sous le format Super Audio CD.

Albums compilations

Singles

Albums live

(*) Albums remasterisés et réédités sous le format Super Audio CD.

Participations

• Dire Straits a participé au concert Knebworth 90'. On retrouve sur le disque issu de l'enregistrement live Money for Nothing et I Think I Love You Too Much (chanson qui aurait pu se retrouver sur l'album On Every Street mais qui a finalement été donnée au Jeff Healey Band pour l'album Hell to Pay - cette chanson a également été jouée par Dire Straits sur leur tournée On Every Street en 1991-1992).

Bootlegs principaux

LaserDisc

• 1990 : Alchemy
• 1992 : The Vidéos
• 1993 : On the Night

Vidéographie

• 1984 : Alchemy, (VHS)
• 1993 : On the Night (VHS et DVD)
• 2010 : Alchemy, (DVD/Blu-ray)

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• (en) Site officiel de Mark Knopfler
• (en) Site officiel de David Knopfler
• (en) Site officiel de John Illsley

• Ressources relatives à la musique :
  • Discogs
  • Last.fm
  • SoundCloud
  • (en) All About Jazz
  • (en) AllMusic
  • (en) Billboard
  • (de) Munzinger Pop
  • (en) MusicBrainz
  • (en) Muziekweb
  • (en) Rate Your Music
  • (en) Rock Hall of Fame
  • (en) Rolling Stone
  • (en) Songfacts
  • (en) Songkick
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • Radio France
• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • (en) IMDb

Le groupe Eagles a été formé a Los Angeles en 1971 par Glenn Frey.

À ses débuts, le groupe est constitué de quatre membres ; à savoir Randy Meisner (chant/basse), Bernie Leadon (chant/guitare/banjo), Don Henley (chant/batterie) et bien sûr son formateur Glenn Frey (guitare, piano et chant).

Le premier album du groupe sort en 1972 sous le nom de Eagles. Ce premier album va rencontrer un très grand succès, notamment grâce au titre Take it easy.

Leur second album, Desperado, sort l'année suivante.

En 1974, les Eagles enrôlent un nouveau guitariste, Don Felder. Le groupe va alors enregistrer un troisième album, On the Border, qui aura un tel succès à lui seul qu'il va faire connaître le groupe de part et d'autre de l'Atlantique.

L'année suivante (1975) paraît leur quatrième album, One of These Nights, avec comme titre phare Lyin'Eyes. Peu de temps après la sortie de l'album, Bernie Leadon décide de quitter le groupe. Il est dès lors remplacé par Joe Walsh, le guitariste de James Gang.

En 1976 sort le plus connu de tous les albums du groupe, Hotel California.

En 1979, le groupe enregistre un sixième album qu'il croit alors être son dernier, The Long Run. Cet album sera suivi d'un double live, sorti alors que le groupe est officiellement séparé.

En 1994, soit quatorze ans après la séparation du groupe, celui-ci fait toujours parler de lui grâce à son titre phare Hotel California. Ce succès va pousser le groupe à se reformer pour une tournée et un nouvel album, Hell Freezes Over, qui est constitué pour la première moitié de compositions acoustiques inédites, et pour la seconde, des plus grands succès du groupe.

Après plus de 28 ans de silence, le groupe signe un double album, Long Road Out Of Eden, dont la sortie en octobre 2007 accompagne leur retour sur scène.

Source

Présentation

La carrière discographique de Clapton commence en 1964 au sein du groupe de blues rock anglais, The Yardbirds. Il rejoindra en 1966 John Mayall et ses Bluesbreakers avec qui il connaitra son premier grand succès avec la sortie de l'album Blues Breakers with Eric Clapton qui se classa à la sixième place des charts britanniques.
Clapton ne s'attardera pas dans le groupe et partira fonder avec Jack Bruce (basse et chant) et Ginger Baker (batterie), l'un des premiers supergroup, le power trio Cream. Avec Cream, Clapton commença aussi à chanter en solo sur quelques titres et le groupe sortira quatre albums studios qui mélangent le blues rock, le rock psychédélique et le hard rock. Ces albums installeront aussi le groupe aux États-Unis où ils seront certifiés au minimum disque d'or (500 000 albums vendus), Disraeli Gears, le second album, sera récompensé d'un disque de platine pour plus d'un million d'albums vendus.

Après la dissolution de Cream en 1969, Clapton et Baker reforment un autre supergroupe en compagnie de Stevie Winwood (ex-Traffic) et Ric Grech (ex-Family). L'association ne dura que le temps d'un album studio et une tournée américaine pendant laquelle Clapton se lie d'amitié avec Delaney & Bonnie, les musiciens qui font la première partie de Blind Faith. Il partira en tournée européenne avec eux pendant laquelle sera enregistré l'album "live", On Tour with Eric Clapton qui sortira en mars 1970. Il se liera aussi d'amitié avec les Beatles et notamment avec George Harrison et John Lennon avec qui il partagea de nombreux enregistrements.

En 1970, il enregistre son premier album solo intitulé sobrement Eric Clapton qui se classa à la 14^e place des charts britanniques et à la 13^e place du Billboard 200 américain. C'est à se moment qu'il fait connaissance avec la musique de JJ Cale (encore inconnu à l'époque) dont il reprendra la chanson After Midnight sur l'album et qui sera aussi le premier single de la carrière solo de Clapton. Fin 1970, avec la section rythmique de Delaney e& Bonnie (Jim Gordon et Carl Radle) et son claviériste Bobby Whitlock, il fonde Derek and the Dominos avec qui et l'apport de Duane Allman il enregistra l'album Layla and Other Assorted Love Songs. Duane Allman meurt en 1971 et le groupe se sépare.

Après trois années passées à combattre sa dépendance à la drogue et l'alcool et ne sortant de chez lui que pour participer sur les albums de ses amis, il fait un voyage en Jamaïque pendant lequel il fait la connaissance de Bob Marley. À son retour, il enregistre son deuxième album en solo 461 Ocean Boulevard dans lequel il reprend la chanson de Marley, "I Shot the Sheriff" qui se classa à la première place du Billboard Hot 100. L'album se classa à la première place du Billboard 200 américain, ainsi que dans les charts canadiens et atteindra la troisième place des charts britanniques. Cet album lancera définitivement la carrière solo de Clapton qui sortira jusqu'en 2018, vingt quatre albums studios, une quinzaine d'album en public et de nombreuses compilations.

Trois albums se classeront à la première place du Billboard 200 américain, 461 Ocean Boulevard, From the Cradle et l'album acoustique enregistré en public, Unplugged. Ce dernier sera l'album le plus vendu de Clapton, enregistrant la vente de plus dix millions d'albums rien qu'aux États-Unis.

Albums

Les débuts (années 1960)

Avec The Yardbirds (1963-1965)

• 1964 : Five Live Yardbirds (live)
• 1965 : For Your Love
• 1965 : Sonny Boy Williamson & The Yardbirds : Live at the Crawdaddy
• 1965 : Having a Rave Up (uniquement en face B)
• 1981 : London 1963 : The First Recordings ! (compilation des premiers enregistrements live et singles des Yardbirds en 1963)
• 2003 : Live! Blueswailing July '64 (enregistré en public en juillet 1964)

Avec The Immediate All-Stars (1965-1968)

• 1965 : Blues Anytime Vol. 1 - An Anthology Of British Blues (compilation dont Snake Drive, Tribute To Elmore et West Coast Idea sont les seuls morceaux enregistrés par Eric Clapton, avec les All-Stars mais uniquement à son nom)
• 1968 : Blues Anytime Vol. 2 - An Anthology Of British Blues (compilation dont Draggin' My Tail, Freight Loader et Choker sont les seuls morceaux enregistrés par Eric Clapton avec les All-Stars mais nommé seul en duo avec Jimmy Page)
• 1968 : Blues Anytime Vol. 3 - An Anthology Of British Blues (compilation dont Steelin', L.A. Breakdown, Chuckles, Down In The Boots et Someday Baby sont les seuls morceaux enregistrés par Eric Clapton avec les All-Stars et Miles Road par Eric Clapton seulement, en duo avec Jimmy Page)

Avec John Mayall & the Bluesbreakers (1965-1966)

• 22 juillet 1966 : Blues Breakers with Eric Clapton : # 6  ;  Or
• 1977 : Primal Solos (captations live de concerts donnés au Flamingo Club à Londres en avril 1966 avec Eric Clapton à la guitare et Jack Bruce à la basse)

Avec Eric Clapton's Powerhouse (1966)

• 1966 : What's Shakin' (compilation dont I Want To Know, Crossroads et Steppin' Out sont les seules chansons enregistrées par Clapton et le groupe)

Avec Cream (1966-1968, reformé en 2005)

Avec Blind Faith (1969)

Avec Delaney & Bonnie & Friends (1969-1970)

Avec Derek and the Dominos (1970-1971)

En solo

Albums studio

Albums live

Albums en collaboration

Compilations

Singles

Les débuts (années 1960)

• Singles suivis, si possible, de leur place dans les charts anglais (UK) ou américains (US) au moment de leur sortie.
• Le titre de la face B indiqué est celui de la version britannique du single ou à défaut celui du pays principal de parution.

Avec les Yardbirds (1963-1965)

• Juin 1964: I Wish You Would / A Certain Girl
• Octobre 1964: Good Morning Little Schoolgirl / I Ain't Got You
• Février 1965: For Your Love / Got to Hurry (#3 UK, #6 US)

Avec John Mayall & the Bluesbreakers (1965-1966)

• Octobre 1965: I'm Your Witchdoctor / Telephone Blues
• Août 1966: Lonely Years / Bernard Jenkins
• Septembre 1966: Parchman Farm / Key to Love

Avec Cream (1966-1968)

• Octobre 1966: Wrapping Paper / Cat's Squirrel (UK #34)
• Décembre 1966: I Feel Free / N.S.U. (UK #11)
• Juin 1967: Strange Brew / Tales of Brave Ulysses (UK #17)
• Mai 1968: Anyone For Tennis / Pressed Rat and Warthog (UK #40, US #64)
• Septembre 1968: Sunshine of Your Love / SWLABR (UK #25, US #5)
• Septembre 1968: Spoonful part 1 / Spoonful part 2
• Janvier 1969: White Room / Those Were the Days (UK #28, US #6)
• Janvier 1969: Crossroads / Passing the Time (US #28)
• Avril 1969: Badge / What a Bringdown (UK #18, US #60)
• 1969: Comin' Home (#16 UK)
• Juin 1970: Sweet Wine / Lawdy Mama

Avec Derek and the Dominos (1970)

• Juillet 1972: Layla / Bell Bottom Blues (#7 UK, #10 US)
• Avril 1973: Why Does Love Got to Be So Sad (live) / Presence of the Lord (live)
• 1982: Layla (#4 UK)

Carrière solo (de 1970 à nos jours)

Années 1970

• Le titre de la face B indiqué est celui de la version britannique du single ou à défaut celui du pays principal de parution.

Années 1980

Années 1990

Années 2000 & Années 2010

Certifications des singles

Principales collaborations

Années 60 & 70

Années 80

Années 90

Années 2000 & 2010

B.O. de films ou de séries

Participations

• 1968 : The Rock and Roll Circus des Rolling Stones- The Dirty Mac formé de John Lennon, Eric Clapton, Keith Richards et Mitch Mitchell.
• 2016 : Blue and Lonesome des Rolling Stones - Guitare slide sur Everybody Knows About My Good Thing et guitare solo sur I Can't Quit You Baby
• Avec Cher, Chrissie Hynde et Neneh Cherry
  • 1995 Love Can Build a Bridge (#1 UK)
• The Story of Us
  • 1999
• Avec Beatchuggers
  • 2000 Forever Man (How Many Times) (#26 UK)

Vidéographie

• 1987 : Live 1986 : Enregistré le 15 juillet 1986 au National Exhibition Centre avec Greg Phillinganes aux claviers, Nathan East à la basse et Phil Collins à la batterie. Réédité en DVD en 2003.
• 1990 : The Cream Of Eric Clapton : Compilation de performances live de Clapton, ne doit pas être confondu avec le CD du même titre. Avec Jack Bruce, Ginger Baker, Tina Turner et Phil Collins. Réédité sous forme DVD en 1998.
• 1991 : 24 Nights : Enregistré au Royal Albert Hall de Londres lors de deux concerts en 1990 et 1991. Avec Greg Phillinganes aux claviers, Nathan East à la basse et Steve Ferrone à la batterie.
• 1997 : Live in Hyde Park : Concert donné au Hyde Park le 29 juin 1996. Réédité en DVD en 2001.
• 1999 : Clapton Chronicles : Compilation contenant 12 vidéo-clips.
• 1999 : In Concert: A Benefit for the Crossroads Centre at Antigua : Concert au Crossroads Guitar Festival, dont les bénéfices furent remis au Crossroads Centre Foundation, pour les cures de désintoxication des abus de drogues et alcool. Les invités pour ce concert furent Bob Dylan, Mary J. Blige, Sheryl Crow et David Sanborn. Sorti en VHS et DVD.
• 2002 : One More Car, One More Rider : Enregistré lors du concert au Staples Center de Los Angeles, les 18 & 19 août 2001, avec Andy Fairweather-Low à la guitare, Billy Preston à l'orgue, David Sancious aux claviers et à la guitare, Nathan East à la basse et Steve Gadd à la batterie.
• 2004 : Crossroads Guitar Festival 2004 : Enregistré les 4 et 6 juin à Dallas, Texas.
• 2004 : Sessions for Robert J : DVD montrant Clapton et son groupe lors de différents concerts en Grande-Bretagne et aux États-Unis.
• 2005 : London Hyde Park 1969 : Enregistrement vidéo du concert donné au Hyde Park de Londres avec le groupe Blind Faith le 9 juin 1969 devant environ 100 000 spectateurs.
• 2006 : Live at Montreux 1986 : Concert donné au Festival de Jazz de Montreux en 1986 avec la même formation que Live in 1986, Phil Collins chante son hit In the Air Tonight.
• 2007 : Crossroads Guitar Festival 2007 : Concert donné le 28 juillet 2007 au Toyota Park de Bridgeview en Illinois.
• 2009 : Live from Madison Square Garden : Eric Clapton se réunit le temps d'une tournée et d'un CD/DVD avec Steve Winwood, son ancien partenaire de Blind Faith. Enregistré lors de concerts donnés entre les 25 et 28 février 2009 au Madison Square Garden de New York.
• 2010 : Crossroads Guitar Festival 2010 : Avec Clapton, Ronnie Wood, Buddy Guy, etc.
• 2011 : Play the Blues: Live from Jazz at Lincoln Center : Enregistré au Lincoln Center for the Performing Arts, avec Clapton et Wynton Marsalis.
• 2013 : Crossroads Guitar Festival 2013
• 2013 : Unplugged : Le DVD inclut une version restaurée de ce concert enregistré aux Studios Bray en Angleterre, le 16 janvier 1992.
• 2014 : Planes, Trains and Eric: The Music, The Stories, The People - Mid and Far East Tour 2014 : Enregistré lors d'une tournée en Orient et au Moyen-Orient, on y voit donc Eric et son groupe au Japon, Singapour, Bahreïn et aux Émirats Arabes Unis.
• 2015 : Slowhand at 70 - Live at the Royal Albert Hall : Enregistré le 21 mai 2015 au Royal Albert Hall, lors de la tournée célébrant le 70ième anniversaire de Clapton. Entouré d'un groupe de 5 musiciens et de deux choristes.
• 2018 : Genius amplified: Life in 12 bars - Disponible en CD et en DVD. Relate la carrière de Clapton.
• 2022 : Nothing but the Blues : Captation live en DVD et Blu Ray de performances données les 8 et 9 novembre 1994 au Fillmore West de San Francisco à l'occasion de la tournée de l'album From the Cradle. Réalisé par Scooter Weintraub et coproduit par Martin Scorsese, ce film comporte également une partie documentaire composée d'interviews d'Eric Clapton et d'autres musiciens célèbres et d'images d'archives.

Notes et références